VI FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BARCELONA SANT JORDI '022
Celebrado entre el 21 de 29 de abril, en el transcurro de las celebraciones del día del libro, veintitrés de abril, el BCN FILM FEST acogió la nada desdeñable cifra de setenta títulos, entre largometrajes, documentales y sesiones especiales de cortometrajes, en el populoso barrio de gracia de la capital catalana: Barcelona. La consolidación de un certamen que tuvo como principal reclamo a nivel internacional, la figura del director, guionista, productor y periodista ocasional, Oliver Stone -suyas son algunas de las pocas entrevistas largas que se conservan con
En estreno
 
ESPECIAL PETER BOGDANOVICH (PARTE I, 1967-1979)
El pasado 6 de enero fallecía, a los ochenta y dos años, Peter Bogdanovich, uno de los realizadores norteamericanos poseedor de un conocimiento enciclopédico sobre la Historia del cine de su país. En cinearchivo.net rendimos nuestro particular tributo-homenaje a Bogdanovich con la publicación de un dossier dividido en dos partes que
ADIÓS AL CINEASTA PETER BOGDANOVICH, A LOS 82 AÑOS
Fallecido el pasado 6 de enero en su residencia angelina, según fuentes de la familia, por causas naturales, Peter Bogdanovich pasará a los anales por ser uno de los mayores divulgadores y conocedores de la Historia del Cine de los Estados Unidos. Crítico antes que cineasta (escribió en la prestigiosa revista Esquire), debutó como director de largometrajes a los veintiocho años con Un héroe anda suelto (1967), primera propuesta de un total de casi una veintena de películas que llegó a rodar a lo largo de cerca de cuarenta años. En cinearchivo.net rendimos nuestro particular
54 EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES '21
Entre el 7 y el 17 de octubre de este año, se celebró la quincuagésima cuarta edición del Sitges Film Festival, como gusta internacionalizar a este emblemático certamen ubicado desde sus inicios en la blanca subur. Eso sí, autoproclamarse uno mismo como número uno del sector no es algo que podamos llamar falsa modestia, más bien autocomplacencia. Seremos los informadores y periodistas los que tengamos que elevar a dicha categoría esta verdad tangible en cifras y en número de proyecciones. Lo de la calidad es harina de otro costal.
DRIVE MY CAR (2021)
JOKER (2019)
Tras la sorpresa causada por la obtención del León de Oro del Festival de Venecia de este año, 2019, la película de Todd Phillips ha llegado a las pantallas para que el espectador pueda por fin comprobar cómo un film adscrito, en principio, a un género tan codificado como el de los superhéroes (cabe recordar que el Joker es popularmente conocido como el máximo rival y supervillano de
JERRY GOLDSMITH: UN CAMALEÓN MUSICAL
Quizá sea un poco exagerado decir que desde el fallecimiento de Goldsmith el 21 de julio del 2004 se acabó la música de cine tal y como la habíamos conocido. Pero, vamos que si a eso unimos que Elmer Bernstein nos dejó un mes después hay que convenir que nadie pudo cubrir el hueco que ambos dejaron (a excepción de los corta y pega de Williams y el reciclaje de temas en Morricone). Y es que ahora mismo, visto con perspectiva, el peor Jerry es el mejor score de los últimos veinte años.
LA BELLA MENTIROSA (1991)

LA BELLE NOISEUCE (Jacques Rivette)

    

                                                  

       
 
Características BD y DVD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas. Tráiler.   Resolución: 1.080 p.  Formato: 1:78:1 Widescreen.  Idiomas:  Italiano. Subtítulos: Castellano.  Duración: 100 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 18 de mayo de 2021.  
SINOPSIS: Junio de 1990. Languedoc-Roussillon, esa región histórico-vinícola, de privilegiado paisaje boscoso, en frontera con España. Marianne y Nicholas quieren conocer a Edouard Frenhofer, el famoso pintor. Un artista en franco declive debido a su bloqueo creativo. Un hombre infeliz que no le encuentra ya sentido a pintar. En ese tóxico devenir ha hecho infeliz también a su esposa Liz (Jane Birkin), que llegó a ser la modelo exclusiva del retratista. La última vez que el maestro realizó una exposición, Marianne no había nacido. Para emprender la tarea de visitar al aislado personaje, ambos han quedado con Porbus, un marchante de arte que tiene buena relación con el divo.
SINOPSIS: Frenhofer se queda pronto prendado con Marianne. La mirada de la joven, su manera de beber, sus gráciles gestos y movimientos (sin duda idealizados en su estimulada mente), su lenguaje corporal, su mirada, su entrada y salida del taller del pintor son percibidos a tiempo real. El maestro comienza a atisbar una ilusión, un estímulo, un desesperado aliciente vital, que puede definitivamente evadirle de un bloqueo creativo que dura ya demasiado tiempo. Su proyecto inacabado es La Belle Noiseuce, un ambicioso retrato que pretende ser el culmen de la feminidad. Hace mucho tiempo conoció la historia de Catherine Lescault, una cortesana del Siglo XVII. El artista leyó su biografía y quiso pintar un cuadro que recogiese la esencia de su personalidad. Lo intentó con Liz como modelo. Vivieron y durmieron en las dependencias del taller del pintor durante todo el proceso. La intensa experiencia fue fallida en el terreno artístico, pero también en el emocional: casi costó el matrimonio de ambos. La joven Marianne accede a posar.
COMENTARIO: El relato del escritor Honoré de Balzac, La Obra maestra desconocida (Le Chef -D’oeuvre inconnu), sirve de punto de partida para el más literato de los cineastas de la Nouvelle Vague francesa. Rivette trae a la actualidad (la de 1990) el relato ambientado en el Siglo XVII y dividido claramente en dos partes (dedicadas respectivamente a la joven que posa para el artista, Gillette, y a la libertina Catherine Lescault, objeto del retrato). El formato elegido por el cineasta es de nada menos que un filme de cuatro horas de duración (cuatro horas justas, en palabras del propio realizador). Hablamos de una ambiciosa operación artística que, salvando las distancias, guarda sus similitudes con la emprendida por Ryusuke Hamaguchi en su espléndido filme de casi tres horas de duración, Drive My Car, (Doraibu mai kâ, Japón, 2021), también una película sobre el proceso creativo (el estreno de una adaptación de El Tío Vanya, de Antón Chéjov), que parte de un relato corto, esta vez de Hiroshi Murakami.  
A Rivette le interesa el completo proceso de la creación de las bellas artes y de todas sus fases. El misterio de la propia confección de una obra de arte (gran parte del cual radica en el cuerpo hermoso de la joven modelo), el tortuoso camino hacia encontrar la perfección, de pergeñar una obra maestra y la necesidad de ocultarla una vez realizada por pudor (mostrarla puede llegar a ser impúdico por lo atinada a la hora de reflejar todos los recovecos del alma, con toda la crueldad a flor de piel que a veces conlleva cierta franqueza), se dan cita armónicamente en el crisol de inquietudes del realizador que constituye este filme maravillosamente restaurado y editado por el sello A Contracorriente.
Resulta evidente que la obra a pintar es el retrato de una mujer de gran personalidad. Pero ¿cómo llevarlo a cabo desde la nada más absoluta? ¿Cuál debe de ser la postura de la modelo en el lienzo? ¿cómo extraer la frescura, vitalidad, la naturalidad, en definitiva, de una joven que es un auténtico diamante en bruto? Lo quiero todo. La sangre, el fuego, el hielo de tu cuerpo. Te lo voy a sacar. Lo haré salir y me lo llevaré a la tela. Con esta contundencia se dirige el pintor a su modelo, mientras violentamente coloca a su pleno capricho el desnudo cuerpo de la joven. En esas expresiones, queda claro el manifiesto del filme. El proceso de creación del arte es en muchas ocasiones neurótico, obsesivo, fagocitador, y violento. Deja una huella indeleble en las personas: en el/la artista; el/la modelo, y en las personas alrededor, expresamente excluidos-expulsados del microcosmos donde el desarrollo creativo tiene lugar.
Vienen a la mente dos filmes españoles sobre este proceso creativo La primera es el Sol del Membrillo (España, 1992) de Víctor Erice, se han ocupado de este proceso natural entre el autor (el pintor real Antonio López como él mismo) y su proyecto artístico. La diferencia entre los filmes de Rivette y de Erice vienen particularmente dadas por el objeto de la obra del artista. En el caso de López, el objeto de su obra es aquello que muchos llaman naturaleza muerta. Una específica cuestión paisajística, una particular luz solar que baña los membrillos de su jardín, y por supuesto, traerla a su lienzo. En el filme de Rivette, el objeto de su arte no puede estar más vivo en la sensualidad y en el cuerpo de ensueño de la joven Marianne, interpretado por Emmanuelle Béart, en absoluto estado de gracia interpretativa. En el rostro de Michelle Piccoli, un actor que ha trabajado con Berlanga, Buñuel, Chabrol o Godard podemos encontrar todo el retablo de sentimientos de su personaje.
El otro filme español que viene a colación es El Artista y la Modelo (El artista y la modelo-L'artiste et son modèle, España-Francia, 2012), de Fernando Trueba. En este filme, Marc Cross (Jean Rochefort), reputado escultor y pintor francés que también vive cerca de la frontera con España, y que como Frenhofer, está bloqueado en el proceso de captura del instante, de la “idea”, que acabará cristalizando en una obra de arte. Su relación con la joven catalana Mercé (Aida Folch), que cruza con asiduidad el pirineo en dirección a España y viceversa, para ayudar a personas que huyen del nazismo y del franquismo indistintamente, en el verano de 1943, y cómo devuelve la ilusión de crear al artista, y posa para él, constituye el pilar narrativo de esta sensacional película. La serenidad en la mirada en el meticuloso proceso creativo y la creciente fascinación mutua, son aderezadas con ciertos esbozos de la realidad trágica de la Europa y España de la época. El contexto histórico es evidentemente otro, pero la geografía y las inquietudes narradas en los filmes de Rivette y Trueba guardan no pocas similitudes.
Añadimos una tercera concordancia, que nos llegó del otro lado del océano. Uno de los mediometrajes del film coral Historias de Nueva York (New York Stories, EEUU, 1989), filme codirigido por Martin Scorsese, Woody Allen y Francis F. Coppola, es Apuntes al Natural (Life Lessons, EEUU, 1989). Se trata de la contribución de Martin Scorsese (con guion de Richard Price y fotografía de Néstor Almendros). Scorsese y Price reflexionaban atinadamente sobre la toxicidad que puede presidir la relación entre el artista y su modelo (en este caso aspirante a artista también), interpretados respectivamente por Nick Nolte y Rosana Arquette. Gran parte de la esencia de este magnífico mediometraje, la hallamos igualmente en La Bella Mentirosa.
Rivette, además de un hombre cultivado, cuyas referencias a la literatura son interminables, es un cineasta excepcional. Al convencional pero necesario plano contraplano, utilizado estrictamente para captar la acción-reacción, añade suaves travellings laterales, o de acercamiento, para incluir o excluir del plano personajes y espacios a voluntad. Cuando Marianne se deleita recorriendo la mansión, la cámara del cineasta, lo hace explorando a la joven en ese recorrido. Las suaves maneras de captar la estupenda biblioteca, los pasillos que comunican las cámaras, la sala de pinturas es absolutamente prodigiosa. A Marianne le gustan los libros, especialmente las novelas inglesas y se recrea en la interesante biblioteca del salón. La secuencia de la cena al comienzo de la vista a la mansión, que culmina con el desmayo de Porbus, es una evidencia de la elegancia y sutilidad de quien toma las decisiones detrás de la cámara.
La estudiadísima manera de colocar los cuerpos entre los objetos, o de reflejar el proceso creativo de buscar los trazos adecuados, primero ensayando en el cuaderno y luego directamente al lienzo, convierte a este filme en un tratado sobre la creación, difícilmente superable.
La reacción ante la obra de arte también es objeto de reflexión por parte de Rivette. El rostro de Marianne al ver el resultado de tantas horas de sentimientos encontrados que abarcan furia, ira, risas, dolor, reproches, gritos, etc. refleja descontento, decepción y cierta desolación. “La Pintura busca la verdad y la verdad es cruel” ha advertido el pintor.El reflejo de Marianne no puede compararse a la irascibilidad mostrada por Vincent Van Gogh cuando pudo observar el retrato (que puede apreciarse en el Museo Van Gogh de Ámsterdam) que le había hecho su amigo el pintor Gauguin. No había lugar donde esconderse. El pintor holandés en el lienzo de su amigo francés era un enfermo claramente. Ambos discutieron, se pelearon. El francés se fue a la Polinesia y el holandés se cortó su propia oreja. No es una reacción la de Marianne tan visceral, pero definitivamente, como en Van Gogh, algo cambia en lo más profundo de su ser al mirar el retrato. Cuando Frenhofer y Marianne salen del taller ya nada volverá a ser lo mismo. El destino de la obra de arte surgido del cargado ecosistema de su elaboración, queda perfectamente resumido en el título del retrato de Balzac.•
 
Manuel García de Mesa     

LOS EXTRAS DE LA EDICIÓN BLU RAY
Los aproximadamente 37 minutos de los extras de la edición en blu ray de A Contracorriente se distribuyen en los siguientes materiales extras: Entrevista a Jacques Rivette (14'). Una breve pero intensa entrevista al realizador Jacques Rivette, es el primer gran bonus del Bluray de A Contracorriente. El realizador revela el origen del filme (una conversación de dos personajes de un filme previo, y una broma en dicho rodaje), la elección de los actores y del pintor Bernard Dufort, la decisión de usar la música de Igor Stravinski o el montaje de dos horas con tomas descartadas denominado La Belle Noiseuce: Divertimento y sus diferencias con el filme de cuatro horas. Entrevista a los coguionistas Pascal Bonitzer y Christine Laurent (21'). En esta entrevista-conversación a los dos guionistas, Pascal Bonitzer y Christine Laurent, que firman el libreto con el propio Rivette se comentan cuestiones de mochísimo interés. El extra más largo del blu ray contiene reflexiones sobre el proceso abierto de creación en la obra del realizador, Balzac y su influencia (y sus diferencias), así como la inspiración de algunos relatos de Henry James o Edgar Allan Poe, la importancia del espacio elegido en Rivette (y como condiciona el guion), etc. Todos estos, y algunos más, son los extremos desmenuzados por los guionistas habituales del director en este suculento material extra. Tráiler (3'). El primero de los dos trailers, está especialmente montado para esta edición, con el logo de la distribuidora. Contiene citas al New York Times y al crítico Roger Ebert. Tráiler Original (3'). El segundo avance es el de la época de estreno del filme. Extractos de diálogos entre Marianne y Edouard, sobre los créditos en fondo negro.