39 EDICIÓN BIFFF (BELGIUM INTERNATIONAL FANTASTIC FILM FESTIVAL) '21

                       


              INYECTANDO CINE FANTÁSTICO  

 

Crónica de Àlex Aguilera

 


A la hora de hablar sobre festivales de Cine Fantástico alrededor del mundo, convendría tener en valor a uno de los más longevos en este determinado sector: el BIFFF. El Belgium Fantasy Film Festival, que cumple este año su 39 edición, marcado, ¿cómo no?, por la maldita pandemia que ha azotado a medio mundo y al otro, también. Un valor incalculable ya resulta hacer una edición, sea en el formato que sea, cuando lo más fácil sería abandonar una organización con las restricciones impuestas por los diferentes gobiernos de cada país. Por causas ya suficientemente evidentes, el certamen de este año al igual que la anterior edición de 2020 no ha podido celebrarse comme il faut, concebida como una celebración del “Fantástico”, con mayúsculas. De este modo, el BIFFF se ha tenido que hacer únicamente online (in Streaming) por motivos obvios, derivados de los cierres de salas de cine y el confinamiento que ha sufrido su sede: Bruselas.

    En la edición de 2001, veinte años atrás, un servidor tuvo la ocasión de asistir al certamen por primera y única vez de forma presencial. Un amor a primera vista para con un festival totalmente volcado en ofrecer todo tipo de actividades en torno al cine fantástico y sus derivadas (concursos de disfraces, homenajes a directores, maquillaje, cómics y demás facetas vinculadas). Sin dudas, califiqué por aquel entonces al BIFFF como el segundo certamen de este tipo en volumen de invitados y proyecciones, muy cerca del Sitges Fantastic Film Festival, del cual venimos asistiendo año tras año por su proximidad con la capital catalana, Barcelona, en la cual nací. Casi al mismo tiempo que el nacimiento del certamen español.
    En la presente ocasión y celebrando esos veinte años transcurridos, quise volver a acreditarme para conocer más a fondo la evolución del Festival. No pudiéndome acercar in situ al mismo por la derivada anterior, si me dieron todas las facilidades para hacerlo online, con los enlaces oportunos, muy bien coordinados desde el departamento de prensa.
    Así pues, coincidiendo en parte con El Barcelona Film Festival, pudimos compaginar ambos, en un visionado sino exhaustivo sí representativo de lo nuevo del cine europeo e internacional a nivel del Fantástico, en su más amplia diversidad.
Aun cuando y, de manera milagrosa, pudimos asistir el año anterior al conocido popularmente como el Festival de Sitges, de forma presencial, y tuvimos la enorme suerte de poder ver pantalla grande media docena de films que este año han sido seleccionados en el BIFFF en distintos apartados.
    Si bien el grueso de lo visto este año han sido cortometrajes inéditos para un servidor de lo más manido e inmediato del panorama actual (pre pandemia, generalmente), nos hemos acercado a tres títulos que no desmerecen, en absoluto, su carácter de piezas adscritas notablemente al género fantástico-terrorífico. Tanto la transalpina La stanza como Un fotograma de "Son".Son, y, en menor medida, la coreana de The Closet, han sido de nuestro agrado por cuanto sus propuestas son valientes y oportunas; alejadas de convencionalismos; las dos primeras suscitaron un interés más allá de lo argumental. Lástima de no poderlas ver como merecen, pero, la calidad de la imagen dispensada por los organizadores nos sumergió en un ambiente de Festival que, en un principio, no se podía apreciar, obviamente, desde casa.
    Fueron galardonas, en el apartado de largometrajes, por este orden, la enigmática y divertida Vicious Fan; la referenciada historia demoníaca y posesiva Son; amén, de la sudcoreana y cruda, aunque menos de lo esperado, The Closet.
Larga vida, pues, a este certamen en verdad notable a todos los niveles. Invito a todos aquellos curiosos y fanáticos a acercarse a él en la próxima edición, nada menos, que la ¡40!
 
 
CORTOMETRAJES VISTOS EN EL BIFFF 2021

 

ONE LEFT (AUSTRIA, 2020) 6’                                                                                             Divertida-8

HITTE (PAISES BAJOS, 2019) 3’                                                                                               Original-6

PLANTAS, MONSTRUOS Y ROCK & ROLL (ESPAÑA, 2020) 14’                                     Voluntariosa- 4 

THE ARCHIVISTS (CANADÁ, 2020) 14’                                                                            Pretenciosa- 6

EL AGUA (ARGENTINA, 2019) 14’                                                                                          Inaudita-7

THE PAINTED (USA, 2020) 11’                                                                                          Aterradora- 6

LAST DREAM BEFORE SUNRISE (USA, 2020) 11’                                                            Gratificante-5

LE RÉVEIL (FRA, 2020) 2’                                                                                                    Revisitada-4

INFERNO (AUS, 2020) 16’                                                                                            Desgarradora- 7

WHO GOES THERE? (GBR, 2020) 24’*** (ASTRID THORVALDSEN)                        Desconcertante-6

CERBERUS (EST, 2021) 19’                                                                                                     Infernal- 6

SEE YOU IN AN HOUR (FIN, 2020) 13’** (MARKUS VIRPIÖ)                                         Inquietante- 7

THE LAST MARRIAGE (SUE, 2020) 16’ * (GUSTAV EGERDSTEDT Y JOHAN TAPPERT)        Notable-8

S.A.D.: THE MOVIE (ITA, 2020) 9’                                                                                      Imperfecta-5

EXPECTANCY (FIN, 2020) 15’                                                                                      Desasosegante-6

UN COEUR D’OR (FRA, 2020) 13’**** (SIMON FILIOT)                                                        Sórdida-7

NIGHTINGALE (PAISES BAJOS, 2020) 14’                                                                     Electrizante- 6’5

FACES (ESP, 2020) 9’                                                                                                               Anodina-4

HEALING (SUI, 2020) 12’                                                                                                      Simplista-6

T’ES MORT, HÉLÈNE? (BEL, 2020) 24’ ***** (MICHIEL BLANCHART)GANADORA                 Actual-8

AQUARIENS (FRA, 2020) 15’                                                                                                      Banal-4

LIPPEN (BEL, 2020) 14’                                                                                                                Irreal-5

THE SCENT OF A FOREST (BEL, 2020) 21’                                                                          Incestuosa-4

DANA (ESP, 2020) 18’ ****** (LUCÍA FORNER-SEGARRA)                                                 Plausible-7

SINS OF A WEREWOLF (IRL, 2020) 22’ ******* (DAVID PRENDEVILLE)                               Ignota- 6

    

LARGOMETRAJES VISTOS EN EL BIFFF 2021

LA STANZA / THE GUEST ROOM (ITALIA, 2021) 84’ STEFANO LODOVICHI                                      

      7- Reiterativa- Dejà Vu- Inquietante

SON (USA, 2020) 98’ IVAN CAVANAGH. Con Emile Hirsch                                                                

     6- Inconstatnte- Onírica

LA VAMPIRA DEL RAVAL / BARCELONA VAMPIRESS (ESP/CAT, 2020) 106’ LLUÍS DANÉS. Con   Nora Navas, Roger Casamajor, Sergi López.

 

OTRAS CINTAS VISTAS EN SITGES'20 Y PROYECTADAS EN EL BIFFF 2021
 

 

 
SUPERDEEP (RUS, 2020)             5- Delirante/ Montaje defectuoso
MEANDRE (FRA, 2020)                6- Original/ Deudora de otras cintes galas
HOST (GBR, 2020)                      5’5- De rabiosa actualidad/Insuficiente
 
3º PREMIO: THE CLOSET (2020, COREA DEL SUR) KWANG-BIN-KIM -6- Recurrente/ estilizada
 
INAUGURACION: THE SHIFT (2020, ITA/BEL) –7 ARRIESGADA PROPUESTA
CLAUSURA: RIDERS OF JUSTICE (2020, DIN ) - 5 elegante y desinhibida

 

 
 

 

 

 

     8- Magnífica recreación de la Barcelona de principios del siglo pasado.
HONEYDEW (USA, 2020) 106’ DEVEREUX MILBURN. Con Sawyer Spielberg                                 
   
    6- Aterradora
VICIOUS FAN (USA, 2020) 102’ ** CODY CALAHAN (Antisocial 1 y 2)                                            
 
   7- Divertida, caótica
POST MORTEM (HUN, 2020) 115’ Péter Bergendy 
   6,5-Ensoñación poética de muerte  
En estreno
 
ESPECIAL «PETER WEIR REVISITADO» (1974-2010)

Cumplida una docena de años desde que Peter Lindsay Weir (n. 1944) dirigió su última película hasta la fecha, Camino a la libertad (2010), la publicación por parte del sello Cultbooks del libro que presumiblemente sea el más completo editado en español sobre el cineasta australiano sirve al propósito de publicar en cinearchivo.net un dossier «Weir revisitado». Además del análisis de cada uno de sus trece largometrajes este Especial incluye el análisis de Witness (1985), una de las bandas sonoras que Maurice Jarre compuso para una película del cineasta oceánico, y una reseña de la monografía escrita por Christian Aguilera, que incluye una extensa entrevista con el propio cineasta. Esta docena de años transcurridos desde la fecha de puesta de largo de The Way Back no han hecho más que reafirmar la vigencia e importancia de un cine manufacturado con inteligencia, sensibilidad y audacia por parte de Peter Weir como dejan constancia títulos de la categoría de The Last Wave (1977), Gallipoli (1981), El show de Truman (1998) o Master & Commander (al otro lado del mundo) (2003).    
                 
     por Adrián Sánchez   
     por Àlex Aguilera
     por Adrián Sánchez
     por sergi Grau 
     por Adrián Sánchez 
ÚNICO TESTIGO (1985) 
     por Sergi Grau
     por Tomás Fernández Valentí 
     por Christian Aguilera 
MATRIMONIO DE CONVENIENCIA (1990) 
     por sergi Grau
     por Lluís Nasarre   
EL SHOW DE TRUMAN (1998)   
     por Christian Aguilera 
(AL OTRO LADO DEL MUNDO) (2003) 
     por Lluís Nasarre
     por Tomás Fernández Valentí   
PETER WEIR: UN MUNDO APARTE (2021, Cultbooks)    
     por Emilio Luna   
LA BANDA SONORA REENCONTRADA: WITNESS
(1985, Maurice Jarre)    
     por Christian Aguilera   
  
 
 
 
 
 
ADIÓS A UN ICONO DEL CINE FRANCÉS, JEAN-PAUL BELMONDO

 


Las presencias en público de Jean-Paul Belmondo (1933-2021) en los últimos años escaseaban debido a los problemas de salud que padecía. El pasado 7 de septiembre conocíamos la noticia de la muerte de Belmondo, a quien la República Francesa, con Emmanuel Macron a la cabeza en calidad de Presidente de la nación, tributó honores de estado al que había sido uno de sus intérpretes de mayor reconocimiento internacional. Con una larga trayectoria profesional iniciada a finales de los años cincuenta, Belmondo compaginó el cine de autor con propuestas de claro sesgo comercial, componiendo algunos de los personajes que gozaron de mayor popularidad entre los aficionados galos y por ende de medio mundo. En cinearchivo.net rendimos homenaje a Jean-Paul Belmondo con la publicación de un artículo sobre El hombre de Río (1964) dentro del apartado «Films de culto del siglo XX y XXI». Descanse en paz, Monsieur Belmondo.     
Pocos actores franceses pueden presumir del carisma de Jean-Paul Belmondo, equiparable inclusive al del que había acreditado Jean Gabin —su compañero de reparto en Asalto al banco de Montreal— en la década de los cuarenta y cincuenta. Pero esta extraordinaria sintonía que ha mantenido Belmondo con el público a lo largo de los años se debe, en buena parte, a su adscripción a aquellos (sub)géneros más populares de los años sesenta y setenta —las aventuras, el polar o policíaco francés y la comedia doméstica—, tras un periodo de una cierta desorientación motivada por la controversia que aún seguían provocando las producciones que rodó para los prohombres de la nouvelle vague (Al final de la escapada, A double tour) y que se prolongaría hasta Pierrot el loco, y su breve tránsito por el cine italiano (La ciaccia, La novice, Dos mujeres).
    Mientras en Gran Bretaña la popularidad de las historias cinematográficas vino servida por la creación de un estereotipo de héroe reciclado en agente especial —James Bond a la cabeza—, en contraposición con el realismo social que aportaban las propuestas del free cinema —movimiento rupturista paralelo al de la nouvelle vague—, el cine galo hacía lo propio con argumentos banales sustentados en la pura acción y en la recreación de escenarios exóticos como fondo para una serie de personajes arquetípicos del género de aventuras. Si bien no existió en la cinematografía gala un émulo de James Bond avant le lêtre, Jean-Paul Belmondo sería quien más se acercaría a esta imagen de seductor, intrépido, cautivador y jovial personaje que atendía a las facciones del escocés Sean Connery, en una nutrida relación de producciones de corte comercial acompañado de las preceptivas bellezas de la época —Jacqueline Bisset (El magnífico), Claudia Cardinale (Cartouche), la chica-Bond Ursula Andress (Tribulaciones de un chino en China), Françoise Dorléac (La caza del hombre), etc—. No por casualidad, Jean-Paul Belmondo participaría en una parodia inglesa del propio agente 007, Casino Royale, un par de años antes que su crédito como actor dramático ganara enteros con su recreación de Louis Durand, álias Mahé, propietario de unas plantaciones de algodón en Jamaica, en La sirena del Mississippi. Se trata de la segunda de las adaptaciones a la gran pantalla de la obra de Cornel Wolrich, en arte William Irish, llevada a cabo por el director François Truffaut y que propiciaría el retorno de Belmondo –por partida doble, ya que esa misma temporada rodaría Borsalino-- al cine negro francés en su vertiente más fatalista después de su asociación, a principios de esa misma década, con Jean-Pierre Melville (El confidente y El guardaespaldas, cuyo rol de ex boxeador de pesos medios encajaba a la perfección con su poderoso físico y su sempiterna nariz achatada). Al prestigioso nombre de William Irish —autor del relato que dio lugar a La ventana indiscreta (1954)— cabría añadir los de Charles Williams (El estafador), José Giovanni, asimismo en funciones de director (El clan de los marselleses), James Hadley Chase (Una radiante mañana estival) y David Goodis (El furor de la codicia), como responsables de los sustratos argumentales de los polars más representativos en los que participó Jean-Paul Belmondo. Historias que, por otra parte, requerían del rodaje de escenas de acción para dar credibilidad a las mismas, y en las que el actor francés prescindiría de usar «dobles». En referencia a esta voluntad por asumir todo tipo de secuencias de riesgo, Belmondo sería el actor idóneo para encabezar el reparto de L’alpagueur —-una producción con ciertas analogías argumentales con su coetánea Profesión: el especialista (1978)— y, al mismo tiempo, propiciaría un accidente durante las escenas de acción de Rufianes y tramposos. Aunque fue una situación nada comparable con la hemiplejia sufrida a principios del año 2000, una vez que su carácter de «estrella» gala seguía brillando tras el estreno de Uno de dos, thriller a mayor gloria de la que había sido pareja protagonista (Belmondo-Delon) de Borsalino, un título concebido en el equinocio de una trayectoria profesional fundamentada en una notable recepción comercial y unos altos niveles de popularidad. Unos parámetros que pocos podrían aventurar al haber visto sus primeros largometrajes de carácter experimental y contracorriente auspiciados por Jean-Luc Godard o Claude Chabrol, paladines de la nueva ola del cine francés.•
  

 

 


⇒ Ir a FICHA PERSONAL de JEAN-PAUL BELMONDO
LIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES'020

BAJO EL SIGNO

DE LA PANDEMIA

 

 

 Crónica de Àlex Aguilera y Màrius Ripoll


En el contexto social en el que vivimos celebrar un festival con lo que ello  significa debería resultar, cuanto menos, una temeridad. Sin embargo, el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges, bajo la dirección de Ángel Sala --cumpliendo su 20 aniversario al frente del certamen catalán-- se celebró sin aparentes problemas entre el 8 y el 18 de octubre, más allá de las restricciones de horario y limitaciones de aforo. Las consideraciones al respecto son varias y precisas, que convendría matizar en su justo punto, antes de pasar a analizar lo que fue y ha sido un acontecimiento de especial relevancia en la cultura de nuestro país. En primer lugar, nos constan las dudas existentes desde un primer momento —a primeros de marzo— de la posibilidad de suspenderse la edición de este año del certamen por cuanto Cannes, del cual se nutre en su mercado el Festival, ya había adelantado que cancelaría su carácter presencial, dejándolo en un simple Festival Online, o lo que es lo mismo en agua de borrajas. Cabe recordar que en esas fechas no había siquiera Estado de Alarma en España ni en Francia. Ante tal disyuntiva, Sitges tenía la ventaja de que las fechas no eran tan cercanas en el tiempo. Pues bien, la valentía de algunos y la insistencia de otros han demostrado que la organización del evento era posible, con las medidas de seguridad reglamentarias. No vamos a incidir en cuáles son, pero es lícito resaltar que su cumplimiento generalizado ha sido una de las claves para su puesta en escena y posterior desarrollo. Haciendo estas salvedades, damos paso a lo que fue una edición más, a nivel cualitativo, no a nivel social, de una edición marcada por el invisible y contagioso virus. Existían dos posibilidades a la hora de acceder a las acreditaciones para prensa e industria al certamen: Una, totalmente presencial, apta para medios (profesionales o amateurs), conscientes de un peligro controlable; y, la segunda, una inscripción para prensa y profesionales del sector, únicamente telemática. Quizá una solución mixta hubiese sido lo más justo. 
    Ante esta solución salomónica, hay que hacer una consideración al respecto. La ubicación de la prensa acreditada físicamente se vio relegada en sus primeros días a zonas alejadas del público de platea, situándolos al conocido popularmente como ‘gallinero’ (general) en los emblemáticos Retiro y Prado, ambos cines centenarios; y a los laterales —pérdida de perspectiva— del majestuoso Gran Sitges. Eso sí, ante las quejas de algunos medios, y en sesiones con una escasa venta de entradas, se nos dejó acceder a sitios con mejor visibilidad. En este punto, tanto el número de espectadores que venía visitando el certamen con una fidelidad garantizada como la ingente cantidad de medios e industria acreditados bajó considerablemente, en parte por la reducción de aforos y la incertidumbre del momento. Con todas las dificultades sobrevenidas, lo ejemplar del funcionamiento de cada uno de los miembros de las secciones del Festival resultó encomiable para seguir hasta el final una edición que cumplía cincuenta y tres años, bajo el signo de una «maldición» de dimensión planetaria. Mención especial para los voluntarios —legado de los JJ.OO. de Barcelona’92—, abnegados y disciplinados como pocos, y de un público que en su inmensa mayoría respeto los códigos preestablecidos por los Comités de Expertos (¿) y las Autoridades pertinentes.
    Pasamos, pues, a comentar y analizar lo que fue una edición atípica, aunque a efectos críticos, menos de lo esperado. Con el protagonismo de las mujeres tanto a nivel direccional como artístico.
 
SECCIÓN OFICIAL COMPETITIVA 
Esta era una buena oportunidad para reducUn fotograma de la premiada "She Dies Tomorrow".ir el número de títulos a concurso. No obstante, no bajaron de treinta y dos —uno de ellos, Save Yourselves!, se descartó de esta sección con buen criterio ya que se estrenó antes en una plataforma televisiva—, alguno de ellos de difícil explicación en cuanto a su capacidad competitiva, como la soporífera y pretenciosa She Dies Tomorrow, que cerraría el último día de certamen de un servidor. El Jurado Joven, no opinó lo mismo y le concedió un Premio sustanciado por una supuesta originalidad consecuencia de una epifanía en la que una joven deprimida cree que está viviendo el último día de su vida. Con solo decir que el Réquiem de Mozart suena en bucle en diversos momentos del film denotan esa falta de recursos que delata el querer por el no poder, Transmite en el espectador un estado de desapego más que de desasosiego. Una modernidad entendida, pues, de manera distinta, que nos causó por nuestro lado, más sopor que interés, pese a la buena premisa inicial.
Cabe resaltar la capacidad del comité de selección de hallar tal número de filmes en un año tan extraño de producción. La mayoría de ellos se circunscriben al 2020 con lo que es toda una consideración plausible pensar en un milagro que llegaran en perfecto estado y buen puerto —el del Aiguadolç de Sitges, enclavado junto al Gran Sitges—, y con un montaje, por norma general, excelente.
    Los días transcurrían a la velocidad que las sesiones lo hacían por temas de desinfección de salas, más espaciadas en el tiempo, y títulos como la repetitiva Archenemy, de Adam E. Mortimer (Daniel isn’t Real), dejaban indiferente al personal. Al socaire de lo que se sucedía, un estreno catalán, La vampira de Barcelona, una esperada cinta inspirada en un caso real —el de Enriqueta Martí— de principios del siglo pasado, nos devolvió ese estado de ánimo ya lastrado de por sí por la pandemia. Una puesta en escena y una factura impecable, con fotografía de Josep Mª Civit, en blanco y negro, nos congPara la clausura de Sitges, a modo de homenaje a David Lynch, se proyecto el clasico "El hombre elefante".ratuló por esa fineza y estilo marcado por El hombre elefante (1980), cinta que cerró el certamen, con buen criterio, en homenaje a un David Lynch, que no pudo asistir por motivos óbvios.
La otra gran sorpresa que uno pudo contemplar junto a su director, el denostado Juanma Bajo Ulloa, fue Baby. Sin diálogos y con una música ejemplar a cargo de Binguen Mendizábal y Koldo Uriarte (a la postre ganadores en esta faceta), el film sale muy bien parado, a sabiendas de que el género terrorífico no ha sido nunca plato de buen gusto del director alavés. Excelente su concepción del tempo narrativo y de los planos –nada gratuitos- de una niña que se adentra en territorios prohibidos. Un Hansel y Gretel, a la española, con un regusto por los clásicos.
Igual de amena resultó la cinta británica The Owners, donde una pareja de ancianos deja que unos ladrones conocidos de la familia entre en sus aposentos y roben cuanto deseen. A cambio, la no salida a su vida mundana. En esa misma línea, de entretener al personal y a la vez dar unas cuantas lecciones de geografía marina, estuvo Contagio en alta mar. Una epopeya financiada entre varios países, que vendría a ser un barco pesquero en busca de una solución ingeniosa ante el ataque indiscriminado de una especie de calamar que se replica. Ecos de Alien, el octavo pasajero (1979) y Profundidad seis (1989). Tras un break para comer, pudimos acceder —no sin problemas de ubicación— a la sobrevalorada Possessor Uncut (galardonada a la Mejor Película y al Mejor Director), de Brandon Cronenberg. Todo un caso de estudio, el de los Cronenberg. No sé si fue el prejuicio de que me enfrentaría nuevamente a la insatisfactoria Antiviral o al listón creado porUn fotograma de "Contagio en alta mar". su padre, David Cronenberg, en este tipo de filmes dedicados a la «Nueva carne» y la New Tecnology. Con todo, contiene una trama aunque improbable convincente en estos tiempos. Acto seguido, nos dirigimos a vislumbrar en todo su esplendor, The Silencing —ya en plataformas de pago—, un robusto thriller a priori con Nikolah Coster-Waldau (trasunto de Viggo Mortensen) como sheriff alcohólico nada ejemplar, que intenta cazar a un asesino misterioso en los bosques de una reserva natural. Errores garrafales de guion condenan a este estilizado film a un producto más dentro del género policíaco. En cuanto a Post Mortem, ahondar en la idea de la reverencia a los muertos en la forma de fotografiarlos una vez finados en el lejano oeste de un siglo y medio atrás. No es nada nuevo, si a ello añadimos una banalización de los fantasmas del pasado campando a sus anchas, lo hace todavía más tedioso, pese a una buena ejecución en su conjunto.
    Al día siguiente, las expectativas cayeron en saco roto. Ante la imposibilidad de llegar a tiempo a visionar Teddy —al parecer, un cuento galo con no pocos pronunciamientos mitológicos—, nos dejamos caer en Wendy. Vendida como la joya de la corona del cine estadounidense del momento, pronto nos dimos cuenta que no era más que una exportación innecesaria del cuento de Peter Pan, de Barbie, tamizada por unos escenarios naturalistas y un mundo infantil actualizado y sin complejos. Una aventura de digestión solo apta para incondicionales de Behn Zehlin y su sobrevalorada Bestias del sur salvaje.
    Una vez asumida la jornada anterior, la visita a Archive vino condicionada por la nula expectativa, confirmándose ese grado de escepticismo hacia una película que nos recordaba en demasía a Eva, de Kike Maíllo, quien nos presentó días después una interesante reflexión sobre la condición humana en Cosmética del enemigo. Extraída de la novela homónima de Amélie Nothomb (recomendable, no solo por sus exiguas noventa páginas), Maíllo da una vuelta de tuerca y cierra el film de manera distinta a esta y con roles cambiados.
    Siguiendo con el recorrido al mundo fantástico propuesto por el Festival, The RUn fotograma de "The Reckoning".eckoning, se encontraba entre las piezas codiciadas del mismo, puesto que su director, el aclamado en algunos círculos de fans Neil Marshall (The Descent), nos quería desvelar los secretos de la Edad Media y la peste negra. Insuficiente e irrelevante, a la postre, por mor que existían elementos interesantes de la Historia medieval, como las zonas de tortura y sus artilugios. En la sesión posterior, La nuée, volvía a simbolizar ese carácter postapocalíptico en el marco rural. Langostas interactuando con humanos como si de un juego ecológico y premonitorio del cambio climático se tratara. Pretenciosa como otras cintas europea del momento, caso de The Mosquito State, una suerte de The Fly (La mosca) (1986) con espacios asépticos y unos efectos visuales digitales nada innovadores que le valieron el Premio en ese campo, pese a lo desconcertante de la propuesta y la naturalidad con la que se desenvuelve en una sociedad arribista el protagonista y su grotesco aspecto físico. Una parábola social con ínfulas de cine Neonoir.
    Otro ejemplo de «película gato por liebre» es The Education of Fredrick Fitzell, en la cual el Fredrick del título es un triunfador que cierto día, al enfrentarse a la enfermedad terminal de su madre, empieza a sufrir visiones de un pasado que parece ofrecerle la posibilidad de escoger un destino distinto al que sus decisiones pretéritas condujeron. Pasado y futuro se cruzan, pues,  en el presente del personaje, poniendo en riesgo la seguridad de la que gozaba hasta ese momento y haciéndole dudar de si su vida (esposa, trabajo estable, etc.) es la que realmente quiso vivir. Con una dinámica argumental que recuerda a la cult movie Donnie Darko (2001), lo que en aquella era lo que el cineasta Alejandro Jodorowsky denomina «cine vertical» —imprevisible y arriesgado—, es aquí horizontalidad y línea plana. Incluso el final de la odisea personal del protagonista termina dejando un molesto regusto reaccionario y acomodaticio.
    En cuanto a la esperada por algunos aficionados, Come True, una producción independiente canadiense, nos presenta a Sarah, una adolescente taciturna y solitaria que evita el contacto social y, para combatir el insomnio que la aqueja, decide participar en un experimento de estudio del sueño que una misteriosa organización está financiando. Con un tono que en ocasiones recuerda la soledad que transmitía El sexto sentido (sin tener nada que ver a nivel temático), y una inquietante representación del mundo onírico en el que vive la protagonista, lo que parecía ser un típico drama con personaje inadaptado y aislado de su entorno, se va convirtiendo progresivamente en un tenso relato de ciencia ficción, con retazos de terror. Sin obviar algunas tUn fotograma de "Relic".rampas argumentales que omitiremos para no estropear la sorpresa que depara el final, podemos decir que la escena con la que concluye la película se erige en uno de las más inquietantes y terroríficos giros de guión de los últimos tiempos, además de conseguir evocar sin sonrojo al pesimismo paranoico de Philip K. Dick.
    Reducida la oferta en los últimos días por las restricciones nocturnas, pudimos introducirnos antes de medianoche al pase de una de las sorpresas del festival, Le dernier voyage de Paul W. R. Desprovista de cualquier tendencia neoliberal y maniqueísmo, esta cinta gala dirigida por Romain Quirot utiliza elementos caros al cine de ciencia-ficción (vehículos voladores sin ruedas, zonas desérticas, personajes demacrados, etc.) pero que conforman un corpus fílmico en plena devastación de la Tierra muy cercana a una realidad próxima. Iconografía propia del género que aporta su grano de arena al mismo, pese a un dejà vu evidente (Hardwate: El último kamikaze, compartiendo al mismísimo Jean Reno), pero con personalidad propia.
    Como colofón a esta sección nos adentramos en el mundo de Kandisha. Se trata de una especie de Candyman, el dominio de la mente (1992) en plenos suburbios parisinos. Un trío de muchachas de diferente raza y cultura viven en el lumpen de una sociedad supuestamente moderna. La invocación de la leyenda de Kandisha provoca una serie de muertes, conformadas de modo lógico, siguiendo unos parámetros. Sin embargo, la historia no acaba de convencer, pese a venir firmada por dos connaiseurs del género como son Alexandre Bustillo y Julien Maudy (presente en el Festival, al cual pudimos entrevistar —ver próximamente—), con un cierre que delata el carácter pseudoreligioso del film.
    En la recámara quedaron títulos a priori interesantes como lo último de Bryan Bertino (Los monstruos), The Wrath and the Wicked, al parecer sin aportar nada nuevo a su concepto de terror psicólogico; Relicuna cinta australiana inquietante en su premisa; y Sputnik, una recreación del accidente de una nave espacial soviética con sus consecuencias en la llamada Guerra Fría.
INAUGURACIÓN: Malnazidos 
Como es habitual en este milenio, se priorizó y escogió una producción española para inaugurar el certamen. En las postrimerías de la Guerra Civil Española, un capitán del bando nacional llamado Jan Lozano y su inexperto ayudante son capturados por un grupo de soldados republicanos. El odio y antagonismo que sienten los dos bandUn fotograma de "Malnazidos".os deberá dejarse de lado para unir fueras y sobre vivir ante el ataque de una horda de muertos vivientes que les cercan…
Dirigida a cuatro manos por Alberto de Toro y Javier Ruiz Caldera, la película funciona bien a distintos niveles: sin tratarse de una pieza rompedora de moldes en su adscripción al género zombie, la hibridación que se produce al ambientarla en un escenario como la Guerra Civil, genera una inteligente doble lectura de las «dos Españas», con los dos bandos irreconciliables que unirán esfuerzos y se llegarán a entender para lograr vencer al enemigo común. Asimismo funciona como película puramente de género fantástico, evocando al cine de George A. Romero en sus incursiones al mundo zombie que lo hizo famoso.
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CINTA GANADORA: Possessor Uncut.
Con tan solo dos largometrajes en ocho años de carrera, y después del impacto que provocó su estreno en el pasado festival de Sundance, Brandon Cronenberg ofreció la que quizás fue la apuesta más arriesgada y límite que pudo verse este año en la programación de Sitges, consolidando su carrera como cineasta de prestigio, y alejándose de la sombra de su omnipresente padre. Tasya Vos (una espléndida Andrea Riseborough) trabaja en una corporación secreta que por medio de una avanzada tecnología de control mental, introduce la mente de sus agentes en personas anónimas a las que obliga a cometer cualquier delito que beneficio a las poderosas empresas que pagan por el servicio. Cuando Tasya “posee” el cuerpo de un joven al cual fuerza a asesinar al padre de su novia (un prepotente y acaudalado magnate), las tornas se invertirán al no poder abandonar el cuerpo prestado, que empieza a tener conciencia de la manipulación a la que ha sido sometido, iniciando una espiral de violencia y venganza. Hay algunos guiños (voluntarios o no) al cine de David Cronenberg: el tenso duelo entre los dos personajes principales a través del dominio mental recuerda inevitablemente a la persecución que mantenían la trama de Scanners, y la amoral empresa que ofrece   su tecnología para cometer todo tipo de crímenes al mejor postor, evoca a las corporaciones que hacen acto de presencia común en títulos como Videodrome o eXistenz (1998). Imprevisible y tensa, la película no da concesión de ningún tipo al espectador acomodaticio, llegando hasta las últimas consecuencias a la hora de explicar lo que empieza como una historia de espionaje industrial con ráfagas de violencia poco usual en el cine comercial y termina en una alegoría de la manipulación a la que podemos ser víctimas en los tiempos actuales, en un final tan cruel como implacable y coherente.
    Merecida o inmerecidamente, Possessor se alzó con el galardón a mejor película y mejor director de la sección oficial Fantàstic. Algo que no ocurría en los últimos años.
 
PANORAMA FANTÀSTIC 
Por lo que concierne esta sección podemos asegurar de que se trata de la más coherente y ajustada a programación de todas las presentes, sin desmerecer a ninguna de las demás. Da una visión muy certera de la cosecha de finales del pasado año y extrañamente del presente ejercicio. Repasemos, pues, los títulos que pudimos visionar —en pantalla grande, comme il faut— durante estos días otoñales. 
Empezamos por Vicious Fun, cinta canadiense por donde desfilan una serie de asesinos en el interior de una especie de After, que esconde auténticos ‘monstruos’ reunidos para ver quién sobrevivirá. Excesivamente violenta en su discurrir por la supremacía del Killer perfecto. Poco hay que decir de la argentina La funeraria, amén de incidir en el problema de dicción de alguno de sus protagonistas —los subtítulos por extraño que parezca, ayudaron a su comprensión total—, su propuesta, bien intencionada, denota una falta de medios notable y una capacidad de abstracción (bailes en mitad de la noche) evitable a todas luces. Por el contrario, la curiosa coproducción américoiraní, The Night se puede calificar como una auténtica revelación, con una premisa tan sencilla como abordable fílmicamente: la caída de la noche y la falta de combustible llevan a una familia iraní hasta un hotel que alberga no pocos secretos en su interior. Una auténtica pesadilla que los únicos huéspedes viven totalmente despiertos. Una pequeña joya.
    El género del western de un tiempo a esta paUn fotograma de "The Pale Door".rte ha sido un aliado de Sitges, no pudo fallar esta vez un título adscrito a ambos géneros. The Pale Door revive una parte oscura de la vida de los Dalton (en realidad existieron). Un pasaje de supervivencia descrito elegantemente y sin estridencias, recreada en su parte final, en plena noche, en un adecuado clímax. En un segundo plano, posicionaríamos a Boys From County Hell. Una cinta proveniente del Reino Unido (Inglaterra e Irlanda) que dibuja una leyenda ancestral con personajes demasiado estereotipados (los viajeros canadienses que arriban al pub de turno ante la mofa y animadversión de los autóctonos), que completan una serie de infortunios próximos a la muerte. Por cierto, los páramos recordaban sospechosamente a los de Un hombre lobo americano en Londres (1981).
    En el terreno puramente indie, la propuesta que más se aproxima a este concepto es 12 Hour Shift. Un turno de doce horas ubicado en un Hospital de pueblo fronterizo de los USA, con el tráfico de órganos en su trama. Sin ser un título destacable, la sola presencia de Angela Bettis (May) es toda una garantía de credibilidad, aun siendo una cinta demasiado pequeña en su compromiso con el espectador. Después de acceder a tan suculentas propuestas, tuvimos las de perder con The Banishing, pese a venir firmada por el interesante Christopher Smith (Creep, Desmembrados), la cinta languidece por momentos y denota esa falta de interacción entre los personajes. Una obra, por otro lado, en demasía manida y visitada. En la misma línea, Breeder, imposible cinta danesa convencida de sortear las trampas que ella encierra en sí misma, con experimentos de ADN de alta tecnología en una fábrica abandonada y unos raptores que ejercen incluso de asistentes médicos (sic). Llegado a este momento, la propuesta de The Toll (algo así como ‘El atajo’) parecía una aportación interesante. A pesar de su corta duración, la cinta se vuelve reiterativa en la convención de que existe una zona 0 (fuera de los mapas) de una carretera secundaria, donde parece que nada ocurra en realidad. En esa misma línea atemporal se encuentra Sangre Vurdalak. Defendida como una cinta de vampiros, moderna y original, su propuesta no llega a convencer más allá de haberse conformado como un cortometraje de nivel. El que tuvo el realizador vasco, Pol Urkijo en una extraña sección paralela especial de su notable Dar, Dar. Posiblemente, al verla como posible ganadora del certamen de cortometrajes se le dio un carácter más exclusivo acompañándola al largometraje de inauguración, la aclamada Malnazidos.
    Si bien la auténtica sorpresa —si se puede llamar de esta forma— actual del certamen ha sido la cinta proveniente de Indonesia, Impetigore. Historia de traiciones, maldiciones y clanes familiares ancestrales en el interior de una pequeña localidad remota de aquel país. Bien narrada —con preponderantes y necesarios flashbacks—, la cinta se sigue con facilidad y no malgasta un solo plano en recrear las torturas a que son sometidas dos jóvenes aventureras. Magnífica la apertura del film en un lugar tan poco visitado como son los peajes nocturnos.
   Con nocturnidad y alevosía nos vino caído de de tierras uruguayas Morgue. Pese a sus exiguas pretensiones, el film recuerda al díptico de Ole Bornedal sobre El vigilante nocturno, aquí con acento hispano y un grado de comedia justificado por los escasos aunque convincentes medios con los que se ha podido abordar.Un fotograma de "Honeydew", cinta protagonizada por Shawyer Spielberg, el hijo de Steven Spielberg.
Para finalizar este nutrido apartado, dos propuestas que se solventaron con un cansancio propio por paso de los días. La primera, The Old Ways. No todos los caminos llegan a Vera Cruz, pensaría la chica secuestrada en un improbable lugar de culto —único espacio interior recreado en el film— por su propia sobrina y un seguidor. Rememorando las cintas de Jesús Franco, esta producción mexicana deja de interesar una vez la mujer cautiva sucumbe al Síndrome de Estocolmo y se adentra en esta pseudo secta. En el otro lado de la frontera se sitúa Honeydew, una pieza construida al amparo de su protagonista Sawyer Spielberg (el hijo de Steven Spielberg, gran lector de Mark Twain), y su facilidad empática con una vieja solitaria y su hijo, que habita en una triste casa en mitad de un desierto que alberga no pocos fantasmas familiares de por medio. Una eclosión de maldad y rabia que completaron una más que digna sección habilitada para ser el motor de un festival cuando la parte competitiva decline en algún momento.
 
SESIONES ESPECIALES
Dentro del marco del Festival, amén de las pertinentes presentaciones de libros (asistimos al de La reina del grito, de Desirée De Fez y Sombras de Caligari, una obra colectiva) y otros eventos como ruedas de prensa, existe un número indeterminado de películas que acaban englobadas dentro de sesiones llamadas especiales, en tierra de nadie, debido a su inminente estreno o a la singularidad de los mismos.
    Estos fueron los casos tanto de No matarás, del manresano David Victori como el del prestigioso Álex De la Iglesia con 30 monedas. La primera, un trepidante Thriller rodado en diversos barrios barceloneses, cuya falta de rigor y licencias tomadas en el guion hace que pese excesivamente en su buen planteamiento y desarrollo. Un voluntarioso Mario Casas se acercó a presentarla junto a los demás actores y director. En cuanto a la segunda cinta por orden de proyección, se trata de un capítulo piloto de hora y veinte minutos que perfectamente podría haber pasado por un largo si no fuera por el final tan abierto que requiere una serie de este tipo. HBO será la plataforma para visionar en exclusiva este tercer y prometedor acercamiento del realizador vasco al medio televisivo. Buen guion y venerable dirección.
SITGES CLÀSSICS
No podía faltar esta legendaria y necesaria sección por motivos obvios, cuando la actualidad ha marcado la anulación de muchos rodajes. En este caso, Sitges 2020 quiso recuperar al no menos inmortal Doctor Caligari. Sin ser la primera película de terror de la Historia —una versión alemana perdida de El retrato de Dorian Gray era anterior— como se ha dicho en algunos medios que no contrastan las informaciones, El gabinete del doctor Caligari (1920), sí es, la primera que permanece todavía en su estado original, presentándose aquí una excelente copia remasterizada que conmemoraba el centenario de este incombustible film de misterio. Al soc"El gabinete del dr. Caligari" fue el motivo del cartel del Festival en el cumplimiento del centenario del clasico del neorrealismo dirigido por Robert Wiene.aire de esta proyección y el de varios clásicos que surgieron a raíz de su estreno, como El proceso, El gabinete de Caligari («cosecha» de 1962 de la Fox del film primigenio), los diversos Dr. Mabuse, de Fritz Lang (se pudo ver en una espléndida copia El testamento del doctor Mabuse) se originó un libro explicativo y didáctico de obligada lectura por parte de los interesados en este movimiento cultural llamado Sombras de Caligari.
   Por lo demás, las consabidas proyecciones en pantalla gigante (un lujo) de Furia oriental (1972,), el clásico de Artes Marciales —y decimos bien— con el verdadero Bruce Lee; Flash Gordon (1980), que desde su pase en TV3 me he negado a ver sistemáticamente ni que sea en su formato apropiado; la anteriormente mencionada El hombre elefante, el primer estreno doblado al catalán tras el franquismo; y dos cintas de parecido nivel como son El imperio contraataca (1980) y Desafío total (1990), en un espectacular 4K, dos auténticos íconos del cine de ciencia-ficción de décadas distintas y sucesivas.
    Otro clásico omnipresente en cada edición del Festival es Stanley Kubrick. De una u otra forma siempre está presente en la programación. Este año no pudo ser menos y, en forma de documental, se pudo visionar el más que interesante Kubrick By Kubrick. Un retrato en primera persona del día a día del realizador de Barry Lyndon a través de imágenes, declaraciones de actores y de una grabación inédita con el crítico galo Michel Ciment.
 
SECCIÓN SEVEN CHANCES
Una de las revelaciones de la anterior edición del Festival de Sitges fue la reformulación que pareció experimentar la sección 7 Chances , una de las más desaprovechadas y que históricamente restaba oculta entre la ingente programación de películas que caracteriza al certamen en la actual era.
    Como decíamos, se aplicó un criterio de selección que parecía tan prometedor como coherente: segundas oportunidades a óperas primas que debutaron en pretéritas ediciones de Sitges y no tuvieron distribución comercial en cines (Spirits of the Air, Gremlins of the clouds), testimonios de la gestación de una obra tan vinculada al festival como Blue velvet ,e imposible de poder disfrutar en una sala grande (Blue Velvet Revisited), o títulos malditos del género fantástico, ofrecidos en su versión del director (Dream Demon). Lo que era una sección minoritaria y “de la crítica“ , tuvo una más que satisfactoria acogida de público, llenando en casi todas las proyecciones.
   Muchas eran, pues, las expectativas con las que esperábamos la selección de este año, pero finalmente, más que consolidar la progresión antes mencionada, la sensación global es que la sección ha sido un “cajón de sastre”, tan irregular como desordenado . Si uno de los intereses de un festival de cine como el de Sitges debería ser revisitar rarezas o piezas inéditas, no se entiende que tan sólo nos contáramos una veintena escasa de espectadores   para descubrir un clásico del género tan interesante como Viy, o el exotismo y la visceralidad de Mojica Marins, y en cambio el experimento audiovisual que propone Host (tan juguetón y lúdico como intranscendente y olvidable) , consiguiera llenar hasta la bandera el cine Prado. Harían bien los organizadores en mimar la sección, y mantener su pulso, máxime en un evento que históricamente tiene un déficit a la hora de ofrecer películas de forma retrospectiva. También un aviso a navegantes (jóvenes espectadores) en mirar a los orígenes del cine. Detalláremos y analizáremos a continuación esos títulos olvidados para mayor conocimiento del personal.
 
Spookies. Estados Unidos, 1986. Eugenie Joseph, Thomas Doran y Brendan Faulkner. Los Spookies fueron carne de vídeo club durante la eclosión del denominado «vídeo doméstico» (el entrañable VHS) que tuvo lugar a lo largo de los años ochenta, antes de que el formato digital arrasara con lo analógico y enterrara definitivamente la cultura de los clásicos vídeo clubs. Spookies, claro ejemplo del cine fantástico destinado al puro entretenimiento que se produjo en esa época, nos cuenta la historia de un maligno alquimista que aprovecha la visita de un grupo de atontados jóvenes a su mansión para así conseguir aniquilarlos por medio de una legión de monstruos que tiene como mascotas (los Spookies del título) y poder revivir a su esposa, víctima de una maldición que la mantiene dormida los últimos ¡setenta años! Semejante argumento ya deja claras las intenciones que ofrece un producto de explotación y entretenimiento , sin coartadas culturales o intelectuales de ningún tipo.
    Desde la primera secuencia en la que se presenta al grupo de jóvenes que parecen competir entre sí para lograr el reconocimiento al encefalograma más plano de la película, de lo que se trata es de ofrecer al espectador un entretenimiento basado en la concatenación de situaciones a cada cual más inesperada y. de igual manera que en los clásicos «pasajes del terror» ubicados en los parques de atracciones, los sustos se solapan con la comedia, otorgando una diversión efímera, tan superficial como las raquíticas interpretaciones de los actores y actrices, en muchos casos rozando lo amateur. Entretenida, y auto paródica, la falta de rubor de sus responsables a la hora de   fotocopiar escenas o efectos calcados a clásicos del género fantástico ofrece al aficionado el aliciente de detectar las influencias de referentes como Posesión infernal, Gremlins, Phantasma o las películas producidas por Charles Band , con la saga “Ghoulies “ a la cabeza…
No obstante algunas secuencias (como la transformación de una mujer en araña gigante) contienen unos efectos especiales propios de la añorada época previa a los generados por ordenador , tan meritorios como entrañables.
    La película termina con una de las escenas fantaterroríficas   más delirantes   que como espectador recuerdo haber visto en una película del género: La interminable  secuencia que remite sin disimulo tanto a La noche de los muertos vivientes  (1968) como al vídeoclip Thriller de Michael Jackson, sque al personaje femenino perseguido durante largos minutos por una horda de zombies tan insidiosos y  perseverantes que más parece un final de fiesta Rave que la conclusión de una película de terror.
   Como curiosidad final mencionar que la magnífica ilustración que sirvió de portada del VHS en el momento de su estreno ,es obra del genial dibujante Richard Corben.
Desprejuiciada, festiva y cien por cien festivalera, hubiera tenido un hábitat más adecuado en una midnight session que en Seven Chances.
 
À meia note levarei su anima. Brasil. 1964. José Mojica Marins.
A pesar de la nula consideración crítica e incluso la mofa con la que frecuentemente es considerada la obra del recientemente desaparecido José Mojica Marins, el personaje Zé do caixao, traducido aquí como «José el del ataúd» o “Coffin Joe” en el mercado anglosajón, en su Brasil autóctono todavía hoy es conocido y venerado de análoga manera a como el Fandom trata aquí a iconos del cine de terror como Freddy Krugger o Leatherface. Una de las singularidades que confieren interés a la película que nos ocupa, es que inauguró el personaje del sádico e irreverente entierra muertos asesino, que apareció en un total de seis largometrajes, todos ellos protagonizados por el mismo Marins, que en el film que nos ocupa (especialmente en la parte final desarrollada en el cementerio) parece evocar la estética de las películas clásicas de la productora Universal, con primeros planos de un desbocado Ze do Caixao y sus ojos inyectados en sangre, o abruptos compases musicales que puntean los momentos más violentos.
 
El Viyi. Unión Soviética.1967. Konstantin Yershov y Georgi Kropachyov.
La perla del 7 chances de este año, y avalada por tratarse de un clásico del cine fantástico ruso de finales de los años sesenta, se trata de la adaptación de un relato corto del escritor ucraniano Nikolái Gógol, que también sirvió de soporte argumental para La máscara del demonio (1960), de Mario Bava. Con una primera parte que astuta y engañosamente lleva al espectador por los senderos del género de la picaresca y un tono proclive a la comedia, en el momento en el que el joven protagonista debe afrontar el velatorio de la bruja, la película eleva el vuelo acercándose a los confines del género del terror sobrenatural, y con una arquitectura fílmica y un pulso narrativo tan firmes que reta sin demasiadas fisuras los más de cincuenta años que separan su gestación.
   Buscando referentes, parece clara la influencia que ejerció sobre sus artífices el cine de la Hammer ,en general, y el de Terence Fisher en particular, en especial en las secuencias de liturgia y ceremonia religiosa, con el joven cura intentando protegerse de los demonios por medio de su (maltrecha) fe y un círculo de tiza trazado en el suelo. Mención aparte merecen los últimos quince minutos de metraje, con un despliegue impresionante de efectos visuales para la época, que sumergen al espectador en una pesadilla fantasmagórica y alucinada, alternando artesanales pero muy vistosos trucajes, con un maquillaje realmente convincente.
    Hablando de estos últimos minutos, es justo destacar la eficacia de los efectos especiales con los que son mostrados los demonios, autoría que se asocia a Aleksandr Ptushko, responsable de una interesante filmografía como director artístico, y al cual se suele comparar con Ray Harryhausen por el uso imaginativo y avanzado que hizo de la técnica Stop Motion.
 
Citiken K. Francia.2020.Yves Montmayeur.
Yves Montmayeur es un reputado documentalista, habitual en la programación de Sitges, donde en pasadas ediciones presentó títulos como Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques (2016), centrada en la figura femenina asiática en el mundo del cine de acción, el cómic, los vídeo juegos  o The 1000 Eyes of Dr. Maddin sobre la figura del cineasta canadiense Guy Maddin, otro “sospechoso habitual” del festival. En esta ocasión, la atención de su último documental se centra en el cineasta japonés Takeshi Kitano, cuya flmografia también ha sido frecuente en la programación de Sitges. El problema de los biopics “oficiales”, y por ende, de los documentales del mismo estilo, es que con frecuencia, corren el riesgo de (des)equilibrar la balanza hacia el retrato amable y virtuoso en detrimento de la visión más crítica y objetiva del personaje retratado. Sin tratarse de un panegírico, el trabajo adopta desde sus primeras imágenes el tono afable y amistoso con que se retratará la figura de Kitano, que es mostrado como el Outsider incomprendido en su Japón natal, que ha alcanzado la cumbre del cine gracias a su esfuerzo y talento .
    El documental no ofrece un análisis detallado de la filmografía del tokiota, sino un repaso general de su carrera, con especial hincapié en la dicotomía que tuvo que superar: por un lado el bufón televisivo que era conocido por el pseudónimo Beat Takeshi, el cual le dio una enorme popularidad y audiencia en la televisión japonesa y le permitió financiar sus obras más personales, y por el otro, el director de cine que poco a poco alcanzó (fuera de las fronteras de Japón) el status de cineasta con mayúsculas, alcanzando el zénit al lograr el León de Oro en Venecia en 1997 por su magnífica Hana-Bi (Flores de fuego). Uno de los momentos álgidos del documental aparece cuando Kitano, al recibir el mencionado galardón en Venecia, se resarció de la poca consideración que sus compatriotas tenían por su carrera como cineasta. Abundando en lo mencionado en la introducción, y a pesar de su (moderado) interés, no acaba de entenderse la inclusión de este título en 7 Chances . Hubiera sido más lógico emplazarla en la sección dedicada al documental.
 
Host. Reino Unido. 2020. Rob Savage.
Algunas películas son fruto exclusivamente de su época, y Host es el ejemplo perfecto para exponer esta tesis: Según explica su director Rob Savage, todas las imágenes fueron grabadas durante la cuarentena que provocó la actual pandemia a principios de año, y los equipos técnico y artístico se coordinaron a través de vídeo llamadas y mensajes de washapp, algunos de los cuales aparecen literalmente en pantalla durante la película. Recibida con enorme expectación en su presentación en Sitges, llegando a compararla con el fenómeno que supuso en su momento El proyecto de la bruja de Blair, cabe decir que lo que en realidad Host nos propone es una típica -y muchas veces vista- historia de amigos que realizan una sesión de Ouija, despertando un espíritu maléfico que los irá atacando uno a uno.
    La novedad del asunto estriba en ambientar la ficción en pleno confinamiento, y hacerlo usando situaciones y elementos que en ese momento fueron tan habituales como el uso de la plataforma de vídeo comunicación “zoom”, comentarios sobre las mascarillas, el gel hidroalcohólico, los saludos con el codo, o las ganas de reunirse en persona y poder tocarse. Superados los primeros minutos de película se torna previsible, adoptando sin complejos muchos de los trucos del cine de terror comercial, pero desaprovechando el que quizás era el elemento más perturbador con el que podía haber jugado: el aislamiento forzado de cada personaje (interactuando con los demás desde la soledad de la pantalla de su ordenador) y la impotencia de no poder ayudarse unos a otros, frente a la invisible y perversa entidad que los amenaza. Sin despreciar la meritoria habilidad técnica con la que está explicada la historia —contando con mínimos recursos formales— , lo que podría haber sido una original metáfora del temor al confinamiento y la soledad, el regusto final que deja el visionado de esta historia de terror sobrenatural es que apuesta más por el susto efectista equivalente al tren de la bruja de una feria, que al sobrecogimiento o al poder de lo atmosférico.
   Del western Manos torpes —con el homenajeado actor de carácter Manuel De Blas— y El huerto del francés (esta última, de la que pronto se estrenará  el Bluray en la versión restaurada en 4K que pudo verse en Sitges) hablaremos en una próxima ocasión, a mayor gloria de un Jacinto Molina, desdoblándose en actor y director, en su época dorada.
     Para finalizar, una reflexión para nuestros políticos y asesores científicos: Focalizar su mirada en siete oportunidades de visionar títulos de ciencia-ficción (Contagio, Carriers, Estallido, La amenaza de Andrómeda, The Hellstrom Chronicles, Bug) o dramas/parábolas sociales (Pánico en las calles) que puedan ayudarnos a darnos una solución o atajar y preveer mejor una pandemia como la que estamos (mal)viviendo. No les recomendáremos Península, una de las películas estrellas del certámen al tratarse de una auténtica paranoia social demasiado alejada de lo que estamos viviendo en nuestras carnes.• 
              
 
FELLINI DE LOS ESPÍRITUS (2020)

FELLINI DEGLI SPIRITI (Anselma Dell' Olio)

    

                                                  

       
 
Características BD y DVD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas. Tráiler.   Resolución: 1.080 p.  Formato: 1:78:1 Widescreen.  Idiomas:  Italiano. Subtítulos: Castellano.  Duración: 100 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 18 de mayo de 2021.  
SINOPSIS: Documental que explora en aspectos poco conocidos o que apenas han trascendido de la personalidad de Federico Fellini, cineasta nacido en Rimini en 1920 y fallecido en 1993. Imágenes de la celebración del funeral de estado de Fellini sirve de punto de partida a esta pieza cinematográfica que se suma a la conmemoración del centenario del natalicio de uno de los cineastas más influyentes de su época.
COMENTARIO: Galardonada con el David di Donatello al Mejor Documental por La lucida follia di Marco Ferreri (2017), Anselma Dell’Olio dio a conocer su segundo trabajo en este género en el marco del centenario del nacimiento de Federico Fellini, sin lugar a dudas lastrado por la pandemia de la COVID-19 que afectó en primera instancia en el viejo continente precisamente a Italia. Lejos de pretender llevar a cabo un documental que glose la obra de Federico Fellini, Dell’Olio aborda fundamentalmente algunos aspectos de la poliédrica personalidad del artista de Rimini, valiéndose para ello de un título —Fellini de los espíritus (2020)— que remite a una obra filmada a mayor gloria de su esposa Giulietta Massina.
Al abordar un proyecto de las características de Fellini degli spiriti, la también crítica de cine Anselma Dell’Olio tuvo presente que la inmensa mayoría de los técnicos e intérpretes que participaron en las películas del cineasta transalpino ya habían fallecido. Bien es cierto que se recoge el testimonio de algunos de los «supervivientes» (el guionista Gianfranco Angelucci, el compositor Nicola Piovani, relevo de su querido Nino Rota, y la coreógrafa Leonetta Bentivoglio) de aquel periodo «mágico» del cine italiano —el de los años cincuenta y sesenta—, pero en una buena parte de su metraje Fellini de los espíritus requiere de insertos de imágenes de archivo, entre las que cabe destacar extractos de la entrevista que Joaquín Soler Serrano realizó a Fellini en Televisión Española en 1977. Poco dado a viajar más allá de la frontera italiana, Fellini aceptó la invitación de Soler Serrano e hizo gala de su inveterada fama de fabulador, mostrándose desmemoriado y esquivo a pronunciarse de manera certera sobre aspectos que apelan a su propia biografía. No en vano, su querencia por cuestiones que trascendieran el marco de la realidad le llevó a frecuentar la compañía de Ernst Bernhardt —discípulo de Sigmund Freud, pero que comulgaba sobre todo con las teorías jungianas— y sobre todo de Gustavo Rol, un personaje que alcanzó una notable popularidad en Italia por sus habilidades relacionadas con el control de la mente y su capacidad de predicción que le situaron de facto en el territorio de la sospecha por parte de los medios de comunicación. Presumiblemente sea la relación que Fellini mantuvo con Rol (a quien había conocido por mediación de una amiga en común, Annalisa Carlucci) uno de los aspectos que despierte mayor interés de este documental en el que no falta la correspondiente “cuota” del testimonio de colegas de profesión —Terry Gilliam (en su habitual versión sarcástica-mordaz, en este caso, a cuenta del componente catolicista de la obra de Fellini), Damien Chazelle y William Friedkin— que se descubren abiertos admiradores del cineasta transalpino, amén de clips de algunas de sus películas, entre las que no falta Fellini ocho y medio (1963). Un título referencial para infinidad de directores que se miran frente al espejo de la realidad de Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) y del que el crítico e historiador cinematográfico Aldo Tassone trocó al de Fellini 23 ½ para dar acomodo nominal a su voluminoso ensayo que versa sobre la obra de su admirado cineasta. De la erudición felliniana de Tassone se beneficia el documental de Dell’Olio que sirve fundamentalmente para dimensionar al personaje fuera de los dominios de su quehacer como cineasta, explorando en esos rincones ligados al psicoanálisis e incluso a lo esotérico. En esta última disciplina su fiel colaborador Nino Rota era una auténtica autoridad, llegando a conformar una de las bibliotecas personales relativas al esoterismo más completas de Italia. Semejante revelación —apenas conocida incluso para los devotos de su música— nos la ofrece este documental que nos ayuda a ir complementando la visión sobre un artista que evolucionó de lo concreto a lo abstracto, del realismo al surrealismo, y que encontraría fiel reflejo en su obra cinematográfica.•
 
Christian Aguilera                 
JOKER (2019)
JOKER  (2019, Hildur Gudnadóttir) 
                                      
WaterTower Music B07YJ8T8RZ, 2019.
Duración: 36: 26. 

Tras la sorpresa causada por la obtención del León de Oro del Festival de Venecia de este año, 2019, la película de Todd Phillips ha llegado a las pantallas para que el espectador pueda por fin comprobar cómo un film adscrito, en principio, a un género tan codificado como el de los superhéroes (cabe recordar que el Joker es popularmente conocido como el máximo rival y supervillano de Batman), ha podido alzarse con el máximo galardón de un Festival que junto a los de Cannes, Berlín y San Sebastián, conforman el póker de ases del reconocimiento artístico mundial, por lo que aun sin despreciar proyectos de carácter comercial, habitualmente se inclinan sobre todo por valorar cintas provistas de un fuerte marchamo autoral. De manera que el premio, tras la relativa sorpresa causada el año pasado con la nominación al Oscar® a la mejor película de Black Panther (Hollywood ya es otra cosa), podía despertar cierto escepticismo a la hora de constatar el merecimiento del mismo, así como su inclusión dentro del amplio despliegue de una campaña de marketing que ha servido, como a otras tantas películas del género, para la mayor difusión y propaganda del producto, llegando, por momentos, a poner en cuestión la credibilidad de un Festival con tanta solera como el italiano. Si, además, Phillips, al frente del proyecto en todos sus niveles, ya que no se limita a dirigirlo sino que también ha participado en el guión junto a Scott Silver, toda vez que ha hecho las veces de productor (con el concurso de algunos ilustres conocidos de Hollywood como el mismo Bradley Cooper), es el responsable de la trilogía Resacón en Las Vegas (2009/2011/2013), de la adaptación de Starsky & Hutch (2003), o de la comedia Salidos de cuentas (2010), la polémica está servida, porque sin ser La compositora y celista Hildur Gudnadottir.películas en absoluto despreciables, el currículo que conforman está lejos de la idea autoral que prima en los Festivales europeos indicados.
Y ahí es donde entran los medios artísticos, de los que el cine es, sin duda, una de sus expresiones punteras, y su manifiesta capacidad de sorprender al respetable. Vista la película, y reconocida la influencia de alguna que otra que ha ayudado a forjar la historia del cine, como Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese, clara, principal y reconocida inspiración del presente film (aunque no la única, que por ahí anda también Network, un mundo implacable (1976), del gran Sidney Lumet, como así lo manifiesta el propio Phillips cuando hace tres años se puso a escribir el guión de su película con Silver, no cabe más que admirar la ecuanimidad, sabiduría y valor (que de todo habrá debido disponer) del jurado al premiar esta joya en bruto que ha resultado ser este Joker (2019). Convertida desde ya en una auténtica e implacable radiografía de los tiempos que corren, bajo la excusa de explicar el origen de uno de los supervillanos más conocidos del mundo de los cómics superheroicos, la película se convierte en el perfecto retrato de un nihilista víctima de la violencia, de un narcisista maltratado desde su infancia, al que los recortes sociales (se queda sin asistenta social y sin medicación), el acoso escolar, el maltrato infantil, una vivienda indigna y el trabajo precario, han convertido en un monstruo, aliñado por nefastos y morbosos medios de comunicación (en especial, los programas de telebasura como el que conduce Murray Franklin (Robert de Niro), y por políticos de escasa empatía (como Thomas Wayne —Brett Cullen—, padre de Bruce, futuro Señor de la Noche, que en desafortunada expresión tilda de “payasos” a parte de sus conciudadanos en los noticiarios de televisión). Con este caldo de cultivo, no es de extrañar que Arthur Fleck, que arrastra un trastorno neurológico desde la infancia debido al cual estalla en carcajadas durante las situaciones más comprometidas, vaya poco a poco desplazándose, con la ayuda de Penny (magnífica también Frances Conroy), una madre neurótica que siempre ha mantenido que su hijo es el fruto ilegítimo de su relación con Thomas Wayne, en cuya mansión estuvo sirviendo cuando era joven, hacia el más extremo nihilismo, fruto del cual aflorará la personalidad del archicriminal que en un futuro atacará una y otra vez a sus conciudadanos con fines criminales.
    Desde esta perspectiva tan poco ortodoxa, Phillips urde una película anticomercial, una pieza de cámara con un presupuesto más que ajustado y protagonizada por un omnipresente Joaquin Phoenix, en donde no ha lugar a grandilocuentes efectos especiales, tan al uso hoy en día, interesándose antes por mostrar una Gotham transmutada más que nunca en New York, ubicando el contexto a principios de los años ochenta y en mitad de una huelga de los empleados de la recogida de la basura, con lo que ello implica de fealdad visual y propagación de plagas (hay ratas por todos lados). En esta línea, mucho antes de comenzar la filmación, Phillips entendió que un proyecto de estas características debía disponer de una composición musical diferente a las habituales del género, por lo que pronto se fijó en la chelista islandesa Hildur Gudnadóttir (n. 1982), colaboradora habitual del malogrado compositor (también islandés) Jóhann Jóhannsson, al que sustituyó al frente de la partitura de Sicario: El día del Soldado (2018), y al que homenajea recuperando el fragmento “Rooftop” perteneciente a la partitura de María Magdalena (2018), en la que ambos participaron, y que este año ya ha sido premiada con un Emmy por su trabajo en la miniserie Chernobyl (2019), ofreciéndole el guión para que fuera trabajando en la partitura a fin de tenerla lista para el rodaje y emplearla durante el mismo, como temp-track original y definitivo. Así lo hizo la compositora, que provista de su chelo y tras leer sobre la secuencia del baile en la bañera de Arthur, inmediatamente obtuvo la inspiración para su tema a través de su instrumento, convirtiendo su sonido en la voz correspondiente a la citada personalidad nihilista y narcisista, no exenta de dolor, del protagonista.
    Escuchada por primera vez en la oficina de su jefe Hoyt (Josh Pais), y después de recibir una paliza de parte de una pandilla callejera (“Hoyt’s office” y “Defeated clown”, en esta segunda, en acertada combinación con los timbales), la melodía se hará omnipresente en la cuerda del instrumento, dando voz a la creciente paranoia que se va apoderando de Arthur, quien se dedicará a seguir a su vecina Sophie, madre soltera (“Followin Sophie”), por la que se siente atraído, mientras va y viene del hospital en que ha quedado ingresada su propia madre (“Penny in the hospital”), carente de la atención necesaria. A ella dedica Gudnadottir (“Young Penny”) un tema de características etéreas, revelador del trastorno imaginario en el que también ella se instaló mientras sufría, al igual que Arthur, los maltratos de sus esporádicas parejas después de ser obligada a abandonar la mansión Wayne. Hacia allí se dirige Arthur, para tratar de averiguar la verdad sobre su verdadero origen, encontrándose con Bruce (Dante Pereira-Olson), el hijo del magnate casualmente distraído (y abstraído) en el jardín de la mansión. El diálogo entre ambos a través de la verja del opulento edificio no puede ser más ilustrativo sobre las diferencias de clase que separan a uno y a otro (“Meeting Bruce Wayne”), aunque los dos, en definitiva, acaben por convertirse en trágicas consecuencias de la violenta sociedad en la que viven.
   La música se torna desasosegadora conforme en Arthur se acelera su estado neurótico (“Hidding in the fridge”), así como más lúgubre y melancólica cuando constata el poco aprecio de sus compañeros por su trabajo de payaso (“A bad comedian”), hasta el punto de estallar (mentalmente) recurriendo al auxilio de su vecina (“Arthur comes to Sophie”), con la que cree haber mantenido una relación que tan solo ha existido en su cabeza. Finalmente, un enérgico Arthur resuelve actuar en consecuencia con las mentiras a las que ha estado expuesto toda su vida, culpabilizando a su madre (“Penny taken to the hospital”), hasta que una noche en el metro, se encuentra con tres acosadores (de clase alta) que regresan de su parranda nocturna y que se encaran con Arthur, quien harto de ser considerado como un despojo humano, finalmente estalla y dispara contra los tres individuos (“Subway”), tras lo cual, y después de superar el estupor en el que él mismo queda sumergido, se regodea en la intimidad en la ya citada secuencia del baño (“Bathroom dance”), recreándose en el protagonismo que ha adquirido y percatándose de lo mucho que le gusta ser el objeto de atención. La música adquiere una expresión entre dolorida y surreal, ofreciendo mediante un crescendo contenido una clara idea de lo que está ocurriendo en la mente de Arthur, quien a partir de ese momento no tendrá otra preocupación que la de acudir al programa de Murray para hacer pública su condición de asesino (“Confession”). Tras sembrar el caos, por fin el Joker, adorado por las masas de nihilistas a las que ha logrado inspirar, puede expresar su narcisismo impúdicamente (“Call me Joker”) en un acto de exhibicionismo que traza algunos paralelismos con el que pudiera ofrecer un líder revolucionario, solo que en este caso (que nadie se engañe) los congregados son una mera colección de individuos reunidos por la última moda/tendencia urbana, a los que no mueve idea ideológica alguna, ni mucho menos solidaria, siendo tan hijos de la violencia como el propio Joker.
   Para redondear esta soberbia obra musical concebida por Gudnadottir, a la altura de la magnífica interpretación de un Joaquin Phoenix que pasará a la historia del cine, como la película, Phillips echa mano de un ramillete de canciones excepcionalmente bien seleccionadas entre las que destacan “Smile”, del gran Charles Chaplin, en la versión interpretada por Jimmy Durante; el “That’s life” cantado por Frank Sinatra; pero sobre todo, el “Rock n’ Roll (part 2)”, de Gary Glitter, en la magnífica y surrealista secuencia en la que Arthur, disfrazado de Joker, se dispone a ir al programa de Murray, descendiendo por una enorme escalinata sobre la que literalmente baila la canción de Glitter, y en la que su figura vestida principalmente de rojo destaca poéticamente de entre la mugre que le circunda y de la que Arthur es hijo natural, mientras los dos detectives de la policía que lo buscan como sospechoso lo contemplan atónitos desde lo alto de la misma. Tan atónitos como los espectadores al final del visionado (y escucha) de esta obra maestra, tan delicada como una patada en el estómago propinada por debajo de la mesa.•

Frederic Torres      
STAR WARS: LOS ARCHIVOS (EPISODIOS I - III: 1999-2005) (ESPECIAL GEORGE LUCAS)
Editorial: Taschen.
Editor: Paul Duncan. 
Fecha de publicación: marzo de 2021.
604 pp. 42,0 cm x 30,5 cm. Tapa dura. Incluye
miles de ilustraciones en color
y blanco y negro. 

En la convención de Star Wars celebrada en 1987, coincidiendo con el décimo aniversario del estreno de la pieza fundacional, a requerimiento de algunos fans asistentes al evento George Lucas se mostró impreciso en relación a la posibilidad de dar forma a las dos nuevas trilogías que había imaginado tras el impresionante éxito cosechado con la primera. Presumiblemente, en su fuero interno abrigaba la opción de materializarlas siempre que los avances tecnológicos lo permitieran. Ya superado el ecuador de la década de los ochenta no parecía, pues, que semejante escenario estuviera a punto de darse. Así pues, a la espera de acontecimientos relevantes en el ámbito de la tecnología digital, Lucas se encomendó a la producción de películas para un público adulto dirigidas por colegas de profesión, otras de corte infantil —a juego con la mediana de edad que acudía mayoritariamente a las salas de cine— y a la confección de la serie televisión “Las aventuras del joven Indiana Jones” (1987.1989). El producto en cuestión no despertó una atención desmesurada, pero entre los aspectos positivos a rescatar de aquel proyecto George Lucas, sin lugar a dudas, destacaría el hecho de haber sido el punto de partida de su colaboración con el productor de origen germano Rick McCallum. Ciertamente, el entente entre ambos durante el proceso creativo de “Las aventuras del joven Indiana Jones” dio pie a que Lucas escogiera a McCallum como socio principal para la puesta en funcionamiento de la segunda trilogía —la primera si nos ceñimos a la cronología de la narración--, pero sin marcar un calendario concreto sobre cuál podría ser la fecha para la puesta de largo de un eventual Episodio I. Con el cambio de decenio Lucas empezó a tomar conciencia que la técnica digital avanzaba lo suficiente para que en un horizonte de unos años el Episodio I —titulado originalmente «The Begining» («El principio») y posteriormente rebautizado La amenaza fantasma (1999)— cobrara visos de realidad en la gran pantalla. En este sentido, el punto de inflexión llegó al contemplar Parque Jurásico (1993), en la que el propio Lucas se puso a disposición de su amigo Steven Spielberg para integrarse a los equipos de los efectos digitales y de sonido. Un par de años después de aquel hito de la Historia del cine Lucas se consagró a la escritura de un primer borrador de guión de “The Begining” sobre la base de conceptos, ideas y escrituras varias que había ido acumulando a lo largo de los años con la intención que algún día cristalizara en forma de un libreto solvente y sólido presto para ser filmado. Para el titánico trabajo que se le venía encima Lucas requería de los alicientes suficientes —más allá de los puramente crematísticos: él ya era millonario— a nivel de avances tecnológicos para aceptar el reto de sumergirse nuevamente en el «universo Star Wars» por un periodo si acaso más largo, un total de diez años comprendidos entre 1995 y 2005.
 
La obra de un demiurgo
 
    La presente edición  Star Wars: Los archivos Episodios I-III (1999-2005), guiada por la excelencia como es costumbre en el sello Taschen, sirve de termómetro para medir la descomunal carga de trabajo asumida por Lucas durante un decenio, convertido en un «cineasta-demiurgo» al servicio de la primera trilogía de la saga galáctica por excelencia. A diferencia de la trilogía comprendida, a efectos de ejecución, entre 1973 y 1983, Lucas asumió la dirección de los tres largometrajes no tanto para favorecer a su ego sino por la actitud mostrada por algunos de sus colegas y amigos de renunciar a la silla del directed by para los episodios II —El ataque de los clones (2002), rodada íntegramente con cámaras digitales— y III —La venganza de los Sith (2005). Al respecto, la conclusión más certera indicaba que nadie mejor que Lucas para enfrentarse a la filmación de tres largometrajes interconectados entre sí, en que podemos observar a Anakin Skywalker en tres etapas distintas de su vida, siendo Jake Lloyd el escogido para la primera entrega (de entre los más de tres mil entrevistados por el director de casting Robin Guiland) y Hayden Christensen (a Lucas le convenció su impostura «a lo James Dean») para las dos siguientes. Siguiendo idéntico patrón que el volumen anterior consagrado a los episodios IV, V y VI, Star Wars: Los archivos Episodios I-III (1999-2005) ofrece un despliegue visual espectacular —bocetos de personajes, storyboards, fotografías de rodaje, fotogramas de las películas, etc— acompañado de un relato cronológico de lo acontecido en cada uno de los tres largometrajes, siendo George Lucas quien responde a toda clase de preguntas expresadas por Paul Duncan. Tras George Lucas, la aportación más valiosa —en todos los sentidos— es la de Rick McCallum, quien ofrece una síntesis del tipo de cineasta que, según su propia experiencia, mejor se ajusta al primero: «Algunos directores planifican las películas con exactitud, con guiones gráficos detallados y una visión muy clara de lo que van a filmar. George no hace eso, la idea que tiene en la cabeza cambia, la trabaja y la hace evolucionar. Necesita pasar por ese proceso y grabar de una forma ágil y barata que le dé más tiempo. De este modo, la película cambia y crece en su mente» (pág. 291). McCallum ofrece, pues, un modus operandi de Lucas situado a las antípodas, por ejemplo, de Alfred Hitchcock, quien trabajó en los estudios Elstree, los mismos que sirvieron de «casa madre» para la elaboración de las tres trilogías realizadas hasta la fecha de la saga galáctica. De la última de estas tres —los correspondientes a los episodios VII, VIII y IX— Taschen se ocupará en un futuro más o menos cercano para adecuar un tercer volumen con toda seguridad con los mismos estándares de exigencia y calidad que los que han visto la luz en 2019 y 2021, respectivamente. No me cabe duda que en un horizonte de un par de años el aficionado a Star Wars podrá tener a su disposición tres volúmenes catalogados de obras maestras de la edición. A partir de 2022 ó 2023 sería de “obligado cumplimiento” que al hacer una cronología de los acontecimientos relativos a Star Wars se citara la publicación de sendos volúmenes servidos por la «factoría Taschen», auténticas «Biblias» para los fans de una saga que empezó a barruntar George Lucas hace medio siglo, teniendo por delante una empresa bigger thant life.•
Christian Aguilera      
TRILOGÍA «LOS VISITANTES»

Las aventuras por el tiempo del caballero Godofredo y su fiel escudero Delcojón han dado como resultado tres comedias divertidísimas y gamberras dirigidas por Jean-Marie Poiré y protagonizadas por Christian Clavier y Jean Reno. Este pack editado por el sello A Contracorriente en formato DVD y Bluray reúne por primera vez las tres películas de la trilogía: Los visitantes ¡no nacieron ayer! (1993), Los visitantes regresan por el túnel del tiempo (1998) y Los visitantes la lían ¡en la Revolución francesa! (2016). Esta último se estrenó comercialmente en nuestro país en verano de 2016 con poco aparato publicitario y, por consiguiente, representa una buena oportunidad para recuperarla.

 

 
Por Ignasi Juliachs
  
 

LOS VISITANTES (¡NO NACIERON AYER!)

       
 
Características en BD y DVD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas / Tráiler / Tomas falsas. Resolución: 1.080 p. Formato: 16:9, 2:35:1.  Idiomas:  Francés. Subtítulos: Castellano.  Duración: 107 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 20 de septiembre de 2016.
SINOPSIS: Año de gracia de 1.123. El valiente caballero Godofredo y su fiel escudero Delcojón son transportados por embrujo a una época demente: ¡la nuestra! La cruzada que tendrán que emprender tan insignes visitantes por regresar a su tiempo no será precisamente sencilla, pues para ello tendrán que enfrentarse con la peor Némesis que jamás hubieran imaginado, sus propios descendientes.
COMENTARIO: Con Los visitantes no nacieron ayer,en el ya lejano 1992, el cine francés conoció un atronador éxito con una propuesta que curiosamente tampoco cabía considerarla novedosa. Si ir más lejos, Navigator, una odisea en el tiempo (1988), de Vincent Ward, aunque en un tono nada cómico, ya situaba a unos hombres medievales en pleno siglo XX. Sea como sea, casi 14 millones de entradas vendidas sólo en Francia (claro que era otra época), y que aún hoy se mantenga como la quinta en el ranking de los filmes franceses más taquilleros de todos los tiempos, tras Bienvenidos al norte (2008), Intocable (2011), La gran juerga (2009), y Astérix y Obélix: Misión Cleopatra (2002), hablan por sí solos de lo que significa la cinta de Jean-Marie Poiré para los franceses.
Al parecer, el origen del film está en una idea que ya concibió un adolescente Poiré cuando todavía cursaba el bachillerato, por lo que, pese a estar coescrito junto a su estrecho colega y protagonista de muchos de sus filmes, Christian Clavier (diestro en el burlesque y el slapstick), este film es el resultado de una vieja pretensión, tras ya haberse hecho un nombre en el mundo de la comedia franchouillarde que ironiza en torno al francés medio, y también de la de tintes paródicos, como ya había hecho en otras cintas: Le Père Noël est une ordure, Twist Again à Moscou, o Papy’ en la resistencia, y la más reciente Operación chuleta de ternera, además de la posterior Ángeles guardianes.
   Efectivamente, esta historia en torno a un caballero medieval, Godofredo de Miramonte, y su escudero Delcojón el Bribón sigue, en su intento por deshacer el entuerto generado por una bruja por medio de un viaje en el tiempo que les vuelva a situar antes del desastre, parámetros cómicos conocidos pero que por algún motivo devinieron en su combinación suficientemente atractivos como para hallar resonancia máxima en el gran público. Cabe suponer que, principalmente, ello radica en las estrafalarias situaciones que se derivan del buen dibujo de toscas mentes medievales en un contexto de finales del siglo XX que no pueden entender y a donde han ido a parar por error del sortilegio que debía situarlos momentos antes del dramático suceso con miras a evitarlo, y que en lugar de ello se ven catapultados hacia el futuro.
   A ello se suma el encuentro con supuestos descendientes (encarnados por los mismos actores) del siglo XX donde se hallan, y el cruce con gendarmes que entienden tan poco lo que pasa como los demás, todo lo cual genera toda suerte de embrollos y confusión.
   Pese a que desde el primer segundo el producto es claramente un divertimento comercial articulado por el MacGuffin del viaje por el tiempo equivocado derivado del sortilegio, la farsa que se deriva responde a una intención crítica para con lo burgués (particularmente en el slapstick de Delcojón peleándose con todo lo moderno –Clavier–, y en su descendiente refinado y afeminado, Delculón, que resulta ser el propietario de un hotel en un chateaux del XVI que se escandaliza por tener que contactar con su antepasado pestilente y de modales porcinos), así como para con las convenciones, los valores actuales (vistos como absurdos en alguna medida) y, desde luego, para con la estratificación social. Esto último queda reflejado particularmente con Madame Ginette (Marie-Anne Chazel), una vagabunda, sobreviviente nata, cuya relación con un Delcojón reacio a abandonar los placeres del siglo XX (cosa que vivamente desea su amo para reunirse con su amada), da lugar a toda suerte de mofas acerca de lo injusto de los desheredados, objeto de atropellos al “no ser nadie”.
   La actriz Valérie Lemercier, que encarna a Frenogonda, la amada de Godofredo, y a Beatriz de Miramonte, la descendiente del siglo XX casada con un dentista que aquél confunde en una primera instancia con su amada, se hizo con un César a la mejor actriz secundaria, único de los ocho para los que el film fue nominado. Y puede que sea tan cuestionable que constara como actriz secundaria, dada la envergadura de su acertado trabajo en el film, como lamentable que por una discusión con el director acabara por no aparecer en la secuela que se realizó mucho más tarde, en 1998: Los visitantes regresan por el túnel del tiempo. Debe notarse que tanto Lemercier como el siempre convincente Jean Reno empezaban a ser actores frecuentes para el equipo Poiré-Clavier. Ambos habían ya participado en Operación chuleta de ternera. Luego, el segundo ha aparecido en todas y cada una de las secuelas del film original.  
   Por lo demás, el primer film goza de una frescura y de un equilibrio en los gags que difícilmente podría esperarse de las dos secuelas (la segunda mencionada y la todavía más tardía tercera, la reciente Los visitantes la lían), sin contar el desastre que supuso en 2001 un remake a la americana (Dos colgados en Chicago). La segunda intenta suplir lo no novedoso con cierto atropello de gags y con un ritmo triplicado, y la tercera, que recupera en alguna medida el equilibrio de la primera, desde luego no puede considerarse original, aunque el nuevo marco: la Revolución Francesa, de paso a toda otra suerte de gags con su gracia.
   Cabe resaltar que ya la primera cinta tuviera un desenlace abierto (lo que claramente habla de la intención de proseguir con el invento), aunque el tándem Poiré-Clavier tardó lo suyo, tanto más cuanto que el gran éxito hacía lógico animarse a una pronta secuela.•
 


LOS VISITANTES (REGRESAN POR EL TÚNEL DEL TIEMPO)
       
 
Características en BD y DVD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas / Tráiler / Escenas eliminadas. Resolución: 1.080 p. Formato: 16:9, 2:35:1.  Idiomas:  Francés. Subtítulos: Castellano.  Duración: 117 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 20 de septiembre de 2016.
SINOPSIS: Godofredo de Miramonte regresa a la Edad Media para casarse con la dulce Frenegunda. Sin embargo, se produce un lamentable error: en lugar de acompañarlo su fiel escudero Delcojón el Bribón, se transporta con él el descendiente del mismo, Jacques-Henri Delculón. El túnel del tiempo no se a cerrado del todo y Delcojón se ha quedado en el siglo XX. El futuro suegro de Godofredo, el Duque, está desconsolado. Alguien ha robado las joyas de la familia y una reliquia sagrada que garantiza la fecundidad de sus mujeres, por lo que Godofredo decide volver al futuro para recuperarlos en una nueva hazaña.
COMENTARIO: Mencionar Los visitantes no nacieron ayer es referirse a una de las cinco películas galas más taquilleras de todos los tiempos, junto a la célebre La gran juerga,y la que se mantuvo como la primera de la taquilla franca en el lejano año de su estreno: 1993. Costó el equivalente de unos siete millones de euros y sólo en Francia la vieron en sala casi catorce millones de espectadores. Su director, Jean-Marie Poiré, goza de cierto reconocimiento en su país como realizador experimentado en un tipo de comedia y farsa populares, la llamada comedie franchouillarde centrada en los defectos del francés medio. En el estado español, a parte de la serie de filmes sobre Los visitantes, puede que se le conozca por Operación chuleta de ternera, o Ángeles guardianes, pero sin duda son las andanzas del Conde Godofredo de Miramonte el Temerario, y de su escudero Delcojón el Bribón, una especie de Quijote y Sancho Panza à la française, las más reconocidas por el amplio público. Así pues, y dado el final abierto de la primera entrega, aunque se hizo esperar unos años, en 1998 se estrenaba una segunda parte, Los visitantes regresan por el túnel del tiempo, lo que puede considerarse estaba cantado. No obstante, el tándem Poiré-Christian Clavier (Delcojón), ya tenían una trayectoria previa juntos como coguionistas de filmes dirigidos por el primero e interpretados por el segundo, como Le Père Noël est une ordure, Twist Again à Moscou, o ‘Papy’ en la resistencia, y entre los dos filmes de la serie aún se dedicaron a otros proyectos: en Ángeles guardianes (1995), aparte de coescrita por ambos, hallamos a Gerard Depardieu, coprotagonista junto a Clavier. El tándem, quizá en su mejor momento, siguió con sus delirios cómicos al adaptar para el teatro Out of Order, de Ray Cooney, bajo el título de Panique au Plazza. Fue luego de este atronador éxito en los proscenios, asimismo con su versión televisiva en 1996, que pasaron a concentrarse en la segunda entrega de Los visitantes. Jean Reno (Godofredo) ya había colaborado con el tándem antes de la primera entrega de la serie, en Operación chuleta de ternera (1991). Tras estos filmes, volvería a trabajar con ellos en una coproducción francoamericana, el remake hollywoodiense de Los visitantes: Dos colgados en Chicago (2001), y este mismo año 2016, en una tercera entrega de la misma serie, dieciocho años desde el film que nos ocupa: Los visitantes la lían (en la Revolución Francesa).
   Ciertamente, Jean Reno y Christian Clavier son la gran baza de toda la serie de filmes sobre estos dos esperpénticos personajes que efectúan saltos en el tiempo, desde su siglo XII a las postrimerías del XX. Naturalmente, en la primera entrega todo era novedad: los personajes, esos ridículos tránsitos de una época a la otra, el esperado y lógico desencaje de unos personajes brutalizados en un siglo distinto que funciona de modo incomprensible para ellos, y la relación con los descendientes de sus respectivas ramas familiares, a la que se suma la de la prometida de Godofredo, Beatriz de Miramonte, interpretada en la primera entrega por la excelente Valérie Lemercier. Los mismos actores se desdoblaban en sus descendientes para generar una comedia de enredo popular con infinidad de malentendidos y más enredos, donde Reno y Clavier (particularmente el segundo) daban rienda suelta a una sarta de disparates en su relación con los artefactos y los usos modernos, Delcojón negándose a regresar a su siglo, lo que será motivo de mayores entuertos cuando aparentemente ambos hombres medievales intentaban regresar a su siglo en el desenlace abierto de la primera entrega.
   Aunque el primer título no dejaba de recurrir a la sal gorda, y a un descarado MacGuffin (que también lo hallamos en la segunda entrega en forma de robo de unas joyas en el siglo XII que es preciso recuperar en el siglo XX, excusa perfecta para ir y venir por el tiempo)  para generar tal situación de embrollo y disparate, el resultado puede considerarse simpático y aceptable, pasados los años, con algún problema de timing. En la segunda entrega, quizá quisieron solucionar eso; su acaso excesivo metraje si alguna cosa deja claro de principio a fin es la voluntad de realizar una película tan trepidante que apenas deja tiempo para el respiro. Ello quizá es su mayor proeza (la hilaridad se deriva del impacto precipitado y la acumulación de disparates) y al tiempo su peor defecto: ese cúmulo prolongado de slapstick a la française (donde es dueño y señor Clavier encarnando nada menos que cuatro personajes, aunque los dos principales sean Delcojón y Delculón —el descendiente refinado del primero, propietario de un hotel de alto standing—, al que se suma las mencionadas idas y venidas repetidas por el túnel del tiempo con personajes del siglo XX yendo al siglo XII y viceversa, acaso generen una sensación de hartazgo. Con todo, si nuestro nivel de exigencia desciende, es posible pasar un buen rato con algunos gags acertados, sin más, pese a que hacia el tercio final del film se empieza a tener la sensación de que la cinta se alarga innecesariamente, con su cambio constante de situaciones cómicas que denotan un guión forzado para que suceda lo pretendido, que además se quiere variado.
   Juega en contra también la substitución de Valérie Lemercier (al parecer tuvo una discusión fuerte con Poiré) por Muriel Robin, que hace lo que puede pero que su distinto físico y modo de proceder no hace sino que echemos en falta Lemercier, sobre todo como Frenegonda, la relamida descendiente de Beatriz.
Cabe subrayar el personaje de Madame Ginette, encarnada siempre por Marie-Anne Chazel, una clochard del siglo XX que hace pareja con Delcojón para mayor desaguisado, pero que sirve excelentemente a los fines de la comedia franchouillarde, dinamitadora de todo lo burgeois y de cierta estrechez gala.
   El Grand Marnier tiene la culpa de que el regreso final al siglo XII de cada entrega se tergiverse por los túneles del tiempo, lo que prepara, hace ya dieciocho años, el arranque, en plena Revolución Francesa, de la reciente tercera entrega de que hablábamos antes. Una curiosa maniobra, puesto que sigue resultando muy irónico el hecho de situar a unos personajes medievales, que han conocido no ya la modernidad, sino la postmodernidad de finales del XX, justamente en pleno horno, el crisol donde se forjaría el mundo contemporáneo, en donde necesariamente tampoco van a encajar. 
   En su momento, el film irritó mucho a la prensa por la constante y descarada publicidad de muchos productos, lo que alguna incidencia debía tener en el gran presupuesto del film de unos veinte millones de euros. Pero pese a las malas críticas, la cinta volvió a arrasar en las salas galas, con ocho millones largos de entradas vendidas. Ciertamente menos que en la anterior, pero aún así una cantidad importante.• 
              
 

 

 

LOS VISITANTES LA LÍAN
¡EN LA REVOLUCIÓN FRANCESA! 

Características en BD y DVD: Contenidos: Menús inte
ractivos / Acceso directo a escenas / Tráiler / Escenas eliminadas. Resolución: 1.080 p. Formato: 16:9, 2:35:1.  Idiomas:  Francés. Subtítulos: Castellano.  Duración: 117 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 15 de enero de 2017.
SINOPSIS: Atascados en los corredores del tiempo, el conde Godofredo “el Audaz” y su cafre escudero Delcojón “el Bribón” llegan a la Revolución Francesa. A un momento en el que los descendientes de Delcojón (ahora apellidados ”DelCojoné”), confiscan el castillo y todos los bienes de los descendientes del conde, aristócratas que huyen de “Madame La Guillotine”.
COMENTARIO: Tras el impacto de la primera cinta, y el buen resultado de la segunda, que aún así tuvo que esperar cinco años para realizarse por compromisos de los principales involucrados al parecer, recrear y revivir en una tercera entrega, veintitrés años después de la primera, aquellas glorias, cabe admitir que en sí mismo era temerario. Y ciertamente los resultados en taquilla fueron malos, puesto que se contaba con un mínimo de 5 millones de entradas vendidas en Francia, de las que tan sólo se lograron cerca de 2 millones. Aunque es cierto que mucho ha cambiado el concepto de exhibición en este lapso de tiempo. No se va tanto al cine, y éste se consume como un elemento audiovisual más, no ya en televisión, sino a través de gran número de plataformas distintas. Además, el film, antes de visionarse, enconó los ánimos de la crítica puesto que no hubo pase de prensa en Francia, factor que para aquéllos siempre suscita la sospecha de que hay algo que ocultar, o que hay mucho temor a los comentarios contraproducentes antes del estreno, dado que la cinta costó unos 25 millones de euros.
Pese a su inactividad como realizador, respecto a la cuestión del presupuesto Jean-Marie Poiré no ha cambiado un ápice: si se involucra en un film, éste ha de realizarse a lo grande. Como que lograr un presupuesto así hoy en día cada vez es más difícil, fue necesaria la participación de muchas más entidades, incluidos sellos checos y belgas. En consecuencia, ha sido finalmente una coproducción francochecobelga. Y ha causado gran disgusto a muchos, acaso afectados de chauvinismo, que la cinta, la cual acontece durante el Terror de la Revolución Francesa (algo muy francés en consecuencia), se haya rodado en Bélgica y Checoslovaquia por entero. A este respecto, a modo de descargo, dado el extremo cuidado en puesta en escena y vestuario de la cinta, podría haber justificación por el uso de los exteriores e interiores urbanos de esos territorios, pues ofrecen verdaderamente la sensación de cruzar el túnel de tiempo.
   A la potencial animadversión hacia el film, antes de su estreno, pudo contribuir por otro lado que algunos grupos se sintieran ofendidos por el hecho de que uno de los actores secundarios, el veterano Pascal N’Zonzi (que ya destacó en otro film exitoso con Christian Clavier: Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?), que encarna a un personaje de raza negra de nombre Philibert, no haya constado en el cartel anuncio.
   Pero acaso lo más sorprendente es que a estas alturas se haya acusado a Poiré y su film de reaccionarios por parte de algunos políticos y críticos principalmente, de dinamitar lo que significa la Revolución Francesa para la humanidad ridiculizando a personajes como Marat, Robespierre, e tutti quanti, o de enfatizar la corruptela de la Convención, la contradicción egoísta de sus dirigentes, y la locura inimaginable que fue el periodo del Terror, del todo alejado del espíritu de ese bien supremo que hablaba de liberté, egalité, fraternité. Cabría esperar más de estos elementos críticos, a tenor del espíritu del momento en que vivimos, que si algo bueno tiene es la actitud de verismo y hasta de búsqueda de la verdad alejados de ideologías deformadoras ni de doctrinas intoxicantes o anestesiantes, aunque desde luego ello no prive de intentos de manipulación acorde con los inevitables intereses como es de sentido común esperar. Si un aspecto positivo tiene el film, es que precisamente trata a los personajes antes como seres humanos imperfectos y contradictorios, por mucho que tengan de iconos, que como dioses infalibles a los que admirar sin matiz alguno. También los aristócratas ofrecen una imagen cómica por ridícula. Y cabría añadir que, aunque la cinta sea de tintes cómicos, alcanza a recrear el momento histórico con una verosimilitud encomiable.     
   Nada más comenzar la cinta, con una energía y trepidación asombrosas, todavía impacta otra cosa: en el desenlace de la segunda entrega, recordaremos que nuevamente por equivocación (en el brebaje que ha de trasladar a la pareja protagonista al siglo XII se ha añadido Grand Marnier) van a parar al contexto de la Revolución Francesa. Sin embargo, un descendiente de Delcojón les toma por espías ingleses, cosa que comunica al General Bonaparte. Si al comenzar la tercera entrega, Godofredo y Delcojón van a ser juzgados y previsiblemente ejecutados por el Comité de Salud Pública regido por Robespierre, quien acaba de decapitar a Dantón, se trata de un momento en que Bonaparte no podía ser General pues apenas empezaba a sonar su nombre en la Historia por su participación en el sitio de Tolón de finales de 1793.
La crítica francesa ha sido abiertamente negativa con la película; ha abundado en consideraciones como que la misma resulta anticuada, aburrida, que no genera la risa buscada, reiterativa en temas escatológicos y en las referencias al mal olor corporal y al aliento fétido de nuestros héroes observado sobre todo por los descendientes aristócratas de Godofredo (que ignoran tal parentesco con el mismo) pero también por los integrantes del Comité, que no dejan de tener modales de refinamiento muy aburguesados, demasiada situación de cámara con diálogos poco brillantes, una interpretación de Jean Reno en piloto automático, y un Clavier salido (cosa que de hecho es inherente a su histrionismo en las tres entregas francesas) que no deja de repetir cansinamente determinadas frases ya célebres en los filmes anteriores (“okay”) o nuevas (“¡Hurra! que es más laico”). 
   Todo ello nos parece un tanto exacerbado, puesto que a nuestro criterio la cinta resulta digna y moderadamente entretenida. El principal problema quizá estriba en algo tan dañino como la comparación (aparte enconamientos circunstanciales, como hemos observado). La primera entrega y aún más la segunda participaban de la comedia de enredo cargada de slapstick, con ridículos viajes en el tiempo a tontas y a locas, cuyos argumentos se sustentaban en McGuffins de lo más triviales, todo para jugar ad nauseam con el contraste entre unas mentalidades medievales y nuestro mundo moderno, en el que se ha invertido el orden social hasta cierto punto en lo referido a señores y servidores –a la estratificación social en suma–, lo que en sí servía al objeto de reírse justamente de nuestro mundo ordenado –léase hipócrita–, un discurso que evidenciaba precisamente ese idilio hilarante entre el Delcojón medieval y la clochard Madame Ginette, de vuelta de todo y superviviente nata, encarnada siempre por Marie-Anne Chazel, precisamente la tercera actriz, junto a Reno y Clavier que queda de los filmes originales; actriz que aquí encarna a Prune, una conserje de un inmueble de París al que ahora volvemos.
   Lo que ocurre es que esta tercera entrega cambia en alguna medida de estilo. El slapstick desaparece en gran medida (también es cierto que los actores no están ya para tanto trote), puesto que nuestros héroes, aunque medievales hasta el tuétano, representa que acaban de experimentar un mundo más avanzado tecnológicamente, y por tanto ya no se sorprenden tanto de los cambios (Delcojón se queja a Charlotte Robespierre, hermana del Incorruptible –espléndidamente encarnada por Sylvie Testud–, de la ausencia de agua corriente), aunque bien es cierto que algunos usos y hábitos del momento siguen generando sorpresa, torpeza y algún momento de gag, particularmente en Delcojón. Hay una introducción trepidante, como decíamos, y unas primeras secuencias extremadamente dinámicas: la huida de nuestra pareja de la prisión en Issoudun, en que esperan a ser decapitados, y su aparición en el próximo Castillo de los Miramonte a punto de que éstos huyan hacia Austria con ayuda de Gonzago de Miramonte, aún en la Convención pero pronto a caer bajo la garra de Robespierre. Sin embargo, la cinta pronto experimenta un cambio importante; Poiré, que no ha renunciado en absoluto a su característico ritmo acelerado, logra éste ya no por una acción desmedida y alocada, como en los dos filmes anteriores, sino por el enredo entre cuatro paredes y unos diálogos rápidos. La cinta pasa a ser un film de cámara que evoluciona primero en la posada donde los Miramonte cenan camino de París, donde vive su pariente Gonzago, y luego en el inmueble en el que tiene piso éste, donde se refugian todos junto con Godofredo y Delcojón. Justamente  en este inmueble se desarrolla una cena en el piso inferior, donde vive Charlotte, casada con un descendiente de Delcojón, Antoine-Claude Delcojoné –Clavier, naturalmente–, activo asimismo en el Comité de Salud Pública. A tal ágape asisten nada menos que Robespierre, Saint-Just, Fouché, George Couthon en cómica silla de ruedas, y Billaud-Varenne, y claro está, Godofredo y Delcojón. En todo momento pesa la sospecha de que ambos son los huidos el día anterior de la prisión en que aguardaban la ejecución, lo que genera no pocos momentos cómicos y tensos, tanto más cuanto ambos se ocultan tras la creencia de Charlotte que Delcojón no es otro que el tío Ignase, pariente de Antoine-Claude, reluctante a tener que compartir mesa con tales indeseables, estando quienes están y anhelante de promoción personal.
Todo el embrollo se fundamenta en un guión más trabajado desde el punto de vista argumental y en el trabajo de personajes, y su timing es perfecto, aunque acaso se deba admitir que quizá no haya mayor brillo en los diálogos, pero en ningún momento resultan tan horribles como la crítica francesa ha convenido en calificar. Los actores están en su sitio, aunque puede que Reno de síntomas de cansancio. Clavier mantiene el tipo, y Marie-Anne Chazel como la conserje del inmueble, amancebada con Philibert, quizá tiene una presencia más testimonial que efectiva como acérrima defensora del Comité. El parecido de Nicolas Vaude como Robespierre es asombroso, y otro tanto para Matheu Spinosi como Saint-Just. Christian Hecq también despunta en su encarnación de Marat, que la anécdota del film también le sitúa como vecino del inmueble de marras.
   En esta tercera entrega, Poiré y Clavier explican, finalmente, cómo cambió de propiedad el Castillo de los Miramonte, que de éstos resultaba ahora en manos de un descendiente de Delcojón, lo que recordaremos resultaba chocante y enigmático en la primera entrega: y no es otra la razón que la actitud corrupta de Antoine-Claude Delcojoné, resentido y envidioso para con los Miramonte, cabe imaginar desde mucho antes de la Revolución. Aprovecha la circunstancia, de espaldas a Robespierre, con todo y ser advertido por su esposa Charlotte que el Castillo debe pertenecer al pueblo.
Hay quizá un aspecto nada bien expuesto a lo largo del metraje. Esto es lo referido a la advertencia que la hija del hechicero de la primera entrega expone al inicio del metraje de la tercera entrega, cuando el rey Luis VI el Gordo se irrita por la ausencia de Godofredo, a quien requiere para una acción militar, ignorante de sus periplos por el tiempo. La hechicera advierte del peligro de envejecer aceleradamente en esos viajes si no se regresa con prontitud. En primera instancia, eso explicaría el envejecimiento que muestran lógicamente los actores en comparación con los filmes precedentes, pero durante su permanencia en el mundo de la Revolución no se les advierte afectación alguna. Sólo en el tramo final, aceleradamente, vemos cambios cómicos en su aspecto, cuando están a punto de saltar ya a lo que creen el regreso definitivo al siglo XII.  
   No avanzaremos nada más. Baste decir que el desenlace vuelve a ser abierto, y que el mismo Poiré no niega la posibilidad de una cuarta entrega. Los malos resultados en taquilla no parecen hacerla muy probable, pero quién sabe, quizá la explotación por distintas plataformas acaban de convencer a antiguos y nuevos inversores.•