39 EDICIÓN BIFFF (BELGIUM INTERNATIONAL FANTASTIC FILM FESTIVAL) '21

                       


              INYECTANDO CINE FANTÁSTICO  

 

Crónica de Àlex Aguilera

 


A la hora de hablar sobre festivales de Cine Fantástico alrededor del mundo, convendría tener en valor a uno de los más longevos en este determinado sector: el BIFFF. El Belgium Fantasy Film Festival, que cumple este año su 39 edición, marcado, ¿cómo no?, por la maldita pandemia que ha azotado a medio mundo y al otro, también. Un valor incalculable ya resulta hacer una edición, sea en el formato que sea, cuando lo más fácil sería abandonar una organización con las restricciones impuestas por los diferentes gobiernos de cada país. Por causas ya suficientemente evidentes, el certamen de este año al igual que la anterior edición de 2020 no ha podido celebrarse comme il faut, concebida como una celebración del “Fantástico”, con mayúsculas. De este modo, el BIFFF se ha tenido que hacer únicamente online (in Streaming) por motivos obvios, derivados de los cierres de salas de cine y el confinamiento que ha sufrido su sede: Bruselas.

    En la edición de 2001, veinte años atrás, un servidor tuvo la ocasión de asistir al certamen por primera y única vez de forma presencial. Un amor a primera vista para con un festival totalmente volcado en ofrecer todo tipo de actividades en torno al cine fantástico y sus derivadas (concursos de disfraces, homenajes a directores, maquillaje, cómics y demás facetas vinculadas). Sin dudas, califiqué por aquel entonces al BIFFF como el segundo certamen de este tipo en volumen de invitados y proyecciones, muy cerca del Sitges Fantastic Film Festival, del cual venimos asistiendo año tras año por su proximidad con la capital catalana, Barcelona, en la cual nací. Casi al mismo tiempo que el nacimiento del certamen español.
    En la presente ocasión y celebrando esos veinte años transcurridos, quise volver a acreditarme para conocer más a fondo la evolución del Festival. No pudiéndome acercar in situ al mismo por la derivada anterior, si me dieron todas las facilidades para hacerlo online, con los enlaces oportunos, muy bien coordinados desde el departamento de prensa.
    Así pues, coincidiendo en parte con El Barcelona Film Festival, pudimos compaginar ambos, en un visionado sino exhaustivo sí representativo de lo nuevo del cine europeo e internacional a nivel del Fantástico, en su más amplia diversidad.
Aun cuando y, de manera milagrosa, pudimos asistir el año anterior al conocido popularmente como el Festival de Sitges, de forma presencial, y tuvimos la enorme suerte de poder ver pantalla grande media docena de films que este año han sido seleccionados en el BIFFF en distintos apartados.
    Si bien el grueso de lo visto este año han sido cortometrajes inéditos para un servidor de lo más manido e inmediato del panorama actual (pre pandemia, generalmente), nos hemos acercado a tres títulos que no desmerecen, en absoluto, su carácter de piezas adscritas notablemente al género fantástico-terrorífico. Tanto la transalpina La stanza como Un fotograma de "Son".Son, y, en menor medida, la coreana de The Closet, han sido de nuestro agrado por cuanto sus propuestas son valientes y oportunas; alejadas de convencionalismos; las dos primeras suscitaron un interés más allá de lo argumental. Lástima de no poderlas ver como merecen, pero, la calidad de la imagen dispensada por los organizadores nos sumergió en un ambiente de Festival que, en un principio, no se podía apreciar, obviamente, desde casa.
    Fueron galardonas, en el apartado de largometrajes, por este orden, la enigmática y divertida Vicious Fan; la referenciada historia demoníaca y posesiva Son; amén, de la sudcoreana y cruda, aunque menos de lo esperado, The Closet.
Larga vida, pues, a este certamen en verdad notable a todos los niveles. Invito a todos aquellos curiosos y fanáticos a acercarse a él en la próxima edición, nada menos, que la ¡40!
 
 
CORTOMETRAJES VISTOS EN EL BIFFF 2021

 

ONE LEFT (AUSTRIA, 2020) 6’                                                                                             Divertida-8

HITTE (PAISES BAJOS, 2019) 3’                                                                                               Original-6

PLANTAS, MONSTRUOS Y ROCK & ROLL (ESPAÑA, 2020) 14’                                     Voluntariosa- 4 

THE ARCHIVISTS (CANADÁ, 2020) 14’                                                                            Pretenciosa- 6

EL AGUA (ARGENTINA, 2019) 14’                                                                                          Inaudita-7

THE PAINTED (USA, 2020) 11’                                                                                          Aterradora- 6

LAST DREAM BEFORE SUNRISE (USA, 2020) 11’                                                            Gratificante-5

LE RÉVEIL (FRA, 2020) 2’                                                                                                    Revisitada-4

INFERNO (AUS, 2020) 16’                                                                                            Desgarradora- 7

WHO GOES THERE? (GBR, 2020) 24’*** (ASTRID THORVALDSEN)                        Desconcertante-6

CERBERUS (EST, 2021) 19’                                                                                                     Infernal- 6

SEE YOU IN AN HOUR (FIN, 2020) 13’** (MARKUS VIRPIÖ)                                         Inquietante- 7

THE LAST MARRIAGE (SUE, 2020) 16’ * (GUSTAV EGERDSTEDT Y JOHAN TAPPERT)        Notable-8

S.A.D.: THE MOVIE (ITA, 2020) 9’                                                                                      Imperfecta-5

EXPECTANCY (FIN, 2020) 15’                                                                                      Desasosegante-6

UN COEUR D’OR (FRA, 2020) 13’**** (SIMON FILIOT)                                                        Sórdida-7

NIGHTINGALE (PAISES BAJOS, 2020) 14’                                                                     Electrizante- 6’5

FACES (ESP, 2020) 9’                                                                                                               Anodina-4

HEALING (SUI, 2020) 12’                                                                                                      Simplista-6

T’ES MORT, HÉLÈNE? (BEL, 2020) 24’ ***** (MICHIEL BLANCHART)GANADORA                 Actual-8

AQUARIENS (FRA, 2020) 15’                                                                                                      Banal-4

LIPPEN (BEL, 2020) 14’                                                                                                                Irreal-5

THE SCENT OF A FOREST (BEL, 2020) 21’                                                                          Incestuosa-4

DANA (ESP, 2020) 18’ ****** (LUCÍA FORNER-SEGARRA)                                                 Plausible-7

SINS OF A WEREWOLF (IRL, 2020) 22’ ******* (DAVID PRENDEVILLE)                               Ignota- 6

    

LARGOMETRAJES VISTOS EN EL BIFFF 2021

LA STANZA / THE GUEST ROOM (ITALIA, 2021) 84’ STEFANO LODOVICHI                                      

      7- Reiterativa- Dejà Vu- Inquietante

SON (USA, 2020) 98’ IVAN CAVANAGH. Con Emile Hirsch                                                                

     6- Inconstatnte- Onírica

LA VAMPIRA DEL RAVAL / BARCELONA VAMPIRESS (ESP/CAT, 2020) 106’ LLUÍS DANÉS. Con   Nora Navas, Roger Casamajor, Sergi López.

 

OTRAS CINTAS VISTAS EN SITGES'20 Y PROYECTADAS EN EL BIFFF 2021
 

 

 
SUPERDEEP (RUS, 2020)             5- Delirante/ Montaje defectuoso
MEANDRE (FRA, 2020)                6- Original/ Deudora de otras cintes galas
HOST (GBR, 2020)                      5’5- De rabiosa actualidad/Insuficiente
 
3º PREMIO: THE CLOSET (2020, COREA DEL SUR) KWANG-BIN-KIM -6- Recurrente/ estilizada
 
INAUGURACION: THE SHIFT (2020, ITA/BEL) –7 ARRIESGADA PROPUESTA
CLAUSURA: RIDERS OF JUSTICE (2020, DIN ) - 5 elegante y desinhibida

 

 
 

 

 

 

     8- Magnífica recreación de la Barcelona de principios del siglo pasado.
HONEYDEW (USA, 2020) 106’ DEVEREUX MILBURN. Con Sawyer Spielberg                                 
   
    6- Aterradora
VICIOUS FAN (USA, 2020) 102’ ** CODY CALAHAN (Antisocial 1 y 2)                                            
 
   7- Divertida, caótica
POST MORTEM (HUN, 2020) 115’ Péter Bergendy 
   6,5-Ensoñación poética de muerte  
En estreno
 
ESPECIAL GEORGE LUCAS (1971-2005)

El 24 de mayo de 1977 La guerra de las galaxias cursaba su estreno mundial un título que cambiaría para siempre el devenir de la industria cinematográfica estadounidense. Su principal artífice, George Lucas (n. George Lucas junto a Sir Alec Guinness en un descanso del rodaje de "La guerra de las galaxias" (1977).1944) había invertido cuatro años de su vida a un proyecto que, en principio, parecía quedar encuadrado en la serie B pero que con el paso de los meses irían creciendo  sus expectativas de llegar al público de manera masiva gracias al respaldo financiero y de distribución de la Fox bajo el mandato de Alan Ladd Jr. Coincidiendo con el cumplimiento del 77 aniversario --una cifra «mágica»-- de George Lucas George Lucas supervisando una escena con participacion de Ewan McGregor en el set de rodaje de "El ataque de los clones".el pasado viernes 14 de mayo publicamos en cinearchivo.net un dossier dedicado a su obra como director, muy inferior en títulos a los que ha producido ya sea en el seno de la franquicia galáctica o fuera de la misma. Asimismo, los análisis de sus seis largometrajes encuentran un complemento idóneo en las reseñas de dos volúmenes aparecidos recientemente en el mercado editorial relacionados con la figura de George Lucas: una monografía publicada por Cátedra dentro de su "centenaria" colección Cineastas / Signo e Imagen, y Los archivos de Star Wars: Episodios IV-VI, una primorosa la edición a cuenta del sello Taschen, precedida por una primera entrega consagrada a la trilogía genuina.                    
     por Christian Aguilera   
     por Lluís Nasarre
     por Christian Aguilera
     por Lluís Nasarre 
     por Christian Aguilera 
EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH (2005) 
     por Lluís Nasarre
GEORGE LUCAS (2021, Cátedra Ediciones) 
     por Christian Aguilera   
 
 
 
 
  
 
EL ACTOR GEORGE SEGAL FALLECE A LOS 87 AÑOS

 


Coincidiendo con el décimo aniversario del fallecimiento de Elizabeth Taylor, uno de sus coprotagonistas en ¿Quíén teme a Virginia Wolf? (1966), George Segal, hizo lo propio el pasado 23 de marzo. Recién cumplidos los 87 años, Segal encontró la muerte a causa de complicaciones sufridas en el curso de una operación. Actor de largo recorrido, Segal inició su singladura profesional alternando televisión, teatro y cine, este último el medio que le dio a conocer a partir de la referida adaptación de la pieza de Edward Albee por la que obtuvo su única nominación al Oscar®. A modo de homenaje a George Segal publicaremos en el mes de mayo, dentro del apartado «Clásicos de nuestro tiempo», un artículo sobre Conspiración en Berlín (1966), cinta de espionaje dirigida por Michael Anderson. Descanse en paz, Mr. Segal.   
Adoptando idéntico nombre y apellido que el famoso arquitecto estadounidense, George Segal representa un tipo de actor difícil de definir, pero perfectamente ubicable en un contexto cinematográfico determinado, el de los años sesenta y setenta, periodo clave para la renovación de un cine desde hacía tiempo anclado en formulismos obsoletos. Segal participaría activamente de esta corriente progresista que apostaba por la relectura de viejos contenidos y por el tratamiento de temas hasta entonces tabúes. Numerosas propuestas de talante liberal se dieron cita en esta etapa de compulsión social y política, pero George Segal se inclinaría por trabajar con aquellos directores y/o guionistas, provenientes en su mayoría de los circuitos teatrales (Mike Nichols, Herbert Ross) o del campo de la televisión (Sidney Lumet, Jack Smight, Robert Altman), conformando una serie de papeles con un similar patrón de conducta, esto es, los que explotan la imagen del antihéroe, del hombre de clase media que no renuncia a satisfacer sus deseos de prosperidad a todos los niveles, pero que finalmente se ve forzado a conformarse con su situación actual. El personaje del biólogo George en el drama escrito por Edward Albee ¿Quién teme a Virginia Woolf? ofrecería una primera prueba en la gran pantalla de este perfil de hombre atrapado en su propia realidad, en una vida llena de mediocridad y (auto)complacencia, que más tarde reproduciría, desde una perspectiva (tragi)cómica, en cintas como Bye, Bye, Braverman, Así no se trata a una dama, ¿Dónde está papá? , La gatita y el búho y La duquesa y el truhán, entre otras. Pero al igual que sucede en ¿Quién teme a Virginia Woolf? , George Segal se avino a protagonizar películas (Loving, Blume in Love, La última pareja) en las que el plot (el núcleo argumental) deviene la crisis de pareja, la descomposición de un microcosmos formado por dos personas como paso posterior a un estadio de bienestar y felicidad. Propuestas fílmicas que el intérprete neoyorquino compaginaría con su vinculación a un cine de carácter belicista al que estuvo emparentado desde sus primeros trabajos para el medio (El día más largo, King Rat, Mando perdido, El puente de Remagen) hasta su participación en La batalla de Midway, producción multiestelar a modo de reclamo para un público que cada vez más reconocía en George Segal un notable complemento para las auténticas «estrellas» masculinas del momento cuando su presencia no tenía relación alguna con el modelo de George Segal obtuvo una nominacion al Oscar al Mejor Actor Secundario por su papel en ¿Quien teme a Virginia Wolf?comedias o tragicomedias costumbristas reseñadas. La excepción a esta regla no escrita se la procuraría su composición de jefe de policía en la cinta catastrofista Montaña rusa y el de «el hombre terminal» en el film homónimo dirigido por Mike Hodges, a partir de la novela de ciencia-ficción escrita por Michael Crichton. Un marco de actuación demasiado restringido para quien, al igual que otro intérprete de registros similares y nacido con tan sólo cuatro días de diferencia, el británico Alan Bates, vio diluido cualquier rastro de protagonismo a finales de los ochenta. Tan sólo quedaba el habitual ejercicio de gratitud por parte de quienes habían compartido un mismo espacio vital y profesional en un periodo de especial efervescencia creativa —Barbra Streisand, su compañera de reparto en Loving, quien le procuraría un pequeño papel en El amor tiene dos caras, o Mark Rydell, actor reciclado a director, que le ofreció intervenir en Ayer, hoy y siempre— para vindicar la figura de un actor de rostro adusto, acaso vulgar, pero que ofrecía un semblante sinónimo de honradez e integridad..• 

 

 


⇒ Ir a FICHA PERSONAL de GEORGE SEGAL
V EDICIÓN BCN FILM FESTIVAL '21

              UNA LUZ EN EL HORIZONTE

 

Crónica de Àlex Aguilera

 


Quinta edición de un certamen que nació con vocación de Festival popular y que ha consolidado en este lustro una capacidad de convocatoria cada vez mayor, aun cuando la situación de pandemia ha condicionado, solo en parte, su razón de ser. Como apuntamos el año anterior, la ejecución de un festival de este nivel en aras de ser justos en tal situación es, cuanto menos, un gesto honorable y decidido a enorgullecer al séptimo arte.
   Convendremos que asistir, sea como público o cronista de un medio determinado, en este caso, resulta más un acto de fe para con el cine que una decisión ajustada a la comodidad de la sala de estar de una casa particular. Mas aún, cuando las limitaciones de aforo, el estorbo de una mascarilla ausente en casa propia y un desplazamiento lejos de tu domicilio habitual, supone un hándicap difícilmente recompensable. De todas formas, en la mayoría de los casos la razón tuvo una justificación más allá del argumentario de la propuesta cinematográfica seleccionada.
    Asistir, pues, de manera presencial fue la opción única, con buen criterio, en los cines Verdi de Gracia, sede fija del BCN FILM Festival.
 
SECCIÓN OFICIAL
De las quince películas seleccionadas a concurso, se nos ocurre, primeramente, que la cifra es suficientemente proporcionada. En segundo lugar, el leitmotiv de la misma, la traslación a imágenes de una novela determinada o un acontecimiento histórico de relevancia o desapercibido para una inmensa mayoría -incluso de seguidores de hechos que tiene que ver con la política y la sociedad- es una garantía a priori de veracidad y también de licencias propias de una adaptación de este tipo. Literatura y cine, dos lenguajes distintos.
La inauguración se dilucidó con la inclusión de una película nominada (hasta cinco en los Oscar®), Una joven prometedora. Más ajustada a su presencia en cualquiera de las secciones del Festival de Cine Fantástico de Sitges, la cinta protagonizada por la espléndida Carey Mulligan deviene una excentricidad de imposible aceptación como obra lúcida y digerible. Situaciones improbables dan paso a una película de difícil digestión.
     Entre la decena de títulos a los que tuvimos acceso fue El fotógrafo de Minamata (2020), la que mayor expectación provocó entre los asistentes. Las razones vienen derivadas de la presencia in situ de su protagonista, Johnny Depp, en funciones de productor e intérprete, dando vida al fotoperiodista Eugene Smith. Conviene hacer alguna precisión en cuanto a la presencia de esta, por otra parte, correcta cinta norteamericana. La rueda de prensa que se formalizó un día después del pase de prensa y de público, no convocó a todos los medios acreditados —no excesivos, en cualquier caso—; haciéndose una criba que no acabamos de entender, al parecer por motivos de espacio, en función de la gran expectativa que despertó la presencia del idolatrado actor. Quizá dos horas de espera, valiera la pena para algunos; un servidor, no asistió por las mencionadas restricciones. Se da el caso de medios que tan solo se acreditaron para ver a tan popular celebridad, sin ver si quiera la película que habla sin tapujos de una denuncia verídica en el Japón de los años setenta.
    En cualquier caso, la sección dio mucho más de sí, con títulos que justificaban realmente su presencia, caso de El poeta y el espía, con un espléndido y camaleónico Sergio Castellito, en el rol del escritor Gabriele D’Annunzio, un mal poeta —como reza el título original— que flirteó en demasía con las «camisas negras» de Benito Mussolini, no así con el de acuerdo de éste con Hitler. En otro orden de cosas, Hotel Coppelia nos adentra en un prostíbulo regentado por una dominicana que ve interrumpido su negocio con la presencia, en 1965, del ejército norteamericano en plena Guerra Civil. Basada en hechos reales, la cinta discurre con situaciones demasiado rocambolescas ejercidas por actores de escasos recursos interpretativos, salvo en el caso de Lumi Lizardo, su protagonista. En cuanto a la esperada recreación de los últimos años de vida del poeta sajón Dylan Thomas (interpretado por un histriónico Rhys Ifhans, con un semblante extraordinario a un anterior Gary Oldman) en Last Call, dejar constancia de su reiteración en muchas de las escenas —rodadas en un blanco y negro artificial— que incluyen el metraje de una cinta que se hace tediosa por momentos. Avanzado el certamen, se pudo visionar Sueños de una escritora en Nueva York, adaptación pretenciosa de la relación entre una arribista joven que llega a Nueva York con el ánimo de convertirse en escritora de éxito y su futura editora (una elegante Sigourney Weaver). En el trasfondo, la adaptación de la novela Mi año con Salinger, de Joanna Rakoff, con el veterano escritor en segundo plano dentro de una historia poco probable dentro del llamado «sueño americano».
    El drama histórico The Good Traitor tuvo su conveniente pase a mayor gloria de una historia mínima, aunque altamente desconocida: el papel del embajador Henrik Kauffmann (el galardonado Ulrich Thomsen) en la ocupación de Dinamarca en la Segunda Guerra Mundial por parte de las fuerzas nazis.
    Accedimos al poco de empezar el certamen a Pequeño país, cinta aparentemente insignificante sobre Burundi, y la guerra con Ruanda a finales del pasado siglo. Sin excesivas pretensiones, la película se desarrolla de forma anodina hasta la parte final, en verdad espléndida, que imprime una pátina de realidad en las escenas de revueltas que dignifican una propuesta arriesgada.
    Ya fuera de concurso, asistimos impertérritos a las propuestas hispano-argentinas (habituales, en los últimos tiempos), El año de la furia (con una Maribel Verdú, de lo poco destacable), entorno a las supuestas injerencias en 1972 de la dictadura uruguaya que hacen mella en un par de cómicos de escaso recorrido; Crónica de una tormenta, un experimento puramente teatral que galvaniza una mujer (una contenida Clara Lago) con ansias de mejorar en un diario ocupado por un enfermo a todos los niveles, interpretado por el repetitivo Ernesto Alterio. Basado en la novela Tostesterona.
    Dos historias sencillas, aunque previsibles, La familia Bloom —con la maravillosa Naomi Watts y el reverenciado Andrew Lincoln (el Rick Grimes de Walking Dead)— narrando la epopeya que vive una madre de casa con tres hijos maravillosos (sic), que ve truncado su bienestar con una absurda caída en Tailandia (en la memoria de Watts, Lo imposible); en cuanto a la comedia Una canción irlandesa, la sola presencia —en pantalla— de Emily Blunt no despertó las prebendas que algunos quisiéramos otorgarle, puesto que la cinta tan solo se sustenta por algunos diálogos y situaciones, más que por las absurdas conjeturas fabulísticas de su partenaire Jamie Dornan. Ni tan siquiera, el veterano Christopher Walken salva la función de una simpática, en apariencia, comedia agridulce.
    Para finalizar este apartado la ganadora al mejor director en Berlín del pasado año, La mujer del espía, no acabó de gustar al personal, dejándolo excesivamente frío; si bien, la cinta es escrupulosa en los hechos narrados y en la efectividad de la puesta en escena del otro maestro Kurosawa, Kiyoshi.
 
 
IMPRESCINDIBLES
No tenemos más que congratularnos de la presentación en sociedad del mejor ciclo que se haya hecho en las últimas décadas sobre la figura de Charles Chaplin, en arte «Charlot». Los diez largometrajes de su autor, entre ellos obras maestras como la recuperada Monsieur Verdoux (1946), El gran dictador (1940), Candilejas (1952), El chico —en el cumplimiento de su centenario siendo el leit motiv del cartel del festival— y la infravalorada El circo (1927), restaurada hace apenas dos años; en magníficas copias coparon la retrospectiva y la sección más interesante del certamen barcelonés. Además, Carmen Chaplin (nieta del actor) presentó un teaser de un documental en creación, acompañando a otros cortometrajes no excesivamente vistos del genial ‘hombre orquesta del cine’ de la primera mitad del siglo pasado,
    No hay que dejar al azar la inclusión fuera de los «Imprescindibles», del pase Especial y único en Zona Oberta (tras hacerlo en 2009, en el Festival de Sitges) de la obra del controvertido Nicolas Winding Refn, a propósito de Valhalla Rising, cinta de aventuras convertida por el autor danés en una cinta de ciencia-ficción enigmática e indescifrable, rodada en parajes naturales, en su primera obra en digital.
    Por lo demás, un acercamiento al cine oriental a través de cintas tan inclasificables como Charulata, la esposa solitari(1964) del hindú Satyajit Ray o la obra maestra de Kon Ichikawa, El arpa birmana, amén de otras obras de calado internacional como el clásico La bella y la bestia (1946) de Jean Cocteau. Todas ellas, fuera, sin embargo, de nuestro alcance temporal, a descubrir, a buen seguro, por el público juvenil.
   Para finalizar, nos queda hacer una reflexión. Las expectativas en un certamen de este tipo no deberían ir más allá de las posibilidades del mismo. Sesenta cintas es una buena cifra. Un par de invitados de relevancia (Johnny Depp e Isabelle Huppert), también los son. Aventurar nombres conocidos, famosos o estrellas que, con toda seguridad, no podrán desplazarse, caso de Sigourney Weaver, Naomi Watts, Kiroshi Kurosawa o Nicolas Winding Refn (insuficiente el tiempo para preguntas, a todas luces) no debería modificar el carácter de festival popular ligado a la fiesta del libro por excelencia, el Sant Jordi.
 
 
 
 
 
 
 
 
ROMA (2018)

ROMA (Alfonso Cuarón) 

                                                   

       
 
Características en BD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas / Tráiler. EXTRAS: Documentales incluidos: Camino a Roma / Instantáneas en el set / El proceso de postproducción / Recuerdo y la imaginación: la imagen de Roma  / El sonido de Roma / Roma nos une: la gira cinematográfica en México.  Formato: 2:35.  Resolución: 1.080 pp. Idiomas:  Castellano. Duración: 135 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 6 de junio de 2020. Incluye libreto de 108 páginas. 
SINOPSIS: Colonia “La Roma”, Ciudad de Méjico, año 1971. Cleo es una ama de llaves que trabaja en la casa de una familia de clase media en Ciudad de Méjico, compuesta por el matrimonio, los cuatro hijos, la abuela y el perro. El día a día va uniendo a la familia con Cleo, cuando el padre de familia se va, Aparentemente a Canadá a un congreso médico, y cuando Cleo queda embarazada...
COMENTARIO: El cineasta Alfonso Cuarón siempre fue un artista meticuloso. La puesta en escena de sus filmes, unas veces más eficaz que otras, incluidos los filmes más espectaculares, contienen un fascinante punto de vista introspectivo y humanista. Sin perder su particular sentido del espectáculo (me refiero a los elaborados planos-secuencia que constituyen su marca de fábrica) confiere a sus filmes un marcado tono intimista. Ahí están su acertada y oscura contribución a la saga fílmica del joven alumno de Hogwarts, Harry Potter y el Prisionero de Azkabán (2004), su pesimista distopía Hijos de los Hombres (2006), o su filme de aventuras en el espacio Gravity (2013), para demostrar esa calculada y sobria introspección, pese a lo (necesariamente) grandioso y épico de las situaciones que viven los personajes. El realizador, para construir sus espectáculos, jamás necesitó estridencias, efectismos, ni constantes meneos de cámara, ni un montaje de planos muy cortos. En el uso de las 3D para el último filme mencionado, tampoco ha sido de esos realizadores que arrojan objetos al espectador constantemente, ni usa otros golpes de efecto que buscan el sobresalto continuado. Al contrario, dicho soporte tridimensional constituye un ejercicio de estilo completamente coherente con la historia que se narra, como el que realiza Martin Scorsese con La invención de Hugo (2011), o Ang Lee con La vida de Pi (2012), excelentes filmes concebidos para ser vistos en el formato 3D. Alfonso Cuarón, en definitiva, no es un cineasta que busque despertar, zarandear, ni llamar la atención de una manera efectista, estilo parque temático, subestimando la inteligencia de quienes acudimos a una sala de cine.
    Cuando el realizador mejicano decide abordar su proyecto más personal hasta la fecha, después de haber triunfado en la industria del cine de entretenimiento más influente del mundo (la mencionada Gravity le reportó el primer óscar al mejor realizador), lo hace con una absoluta libertad creativa. Roma (2018) es un filme rodado íntegramente en blanco y negro, filmado en 65 milímetros, de 135 minutos de duración, sin planos secuencia en los que distraerse, sin estrellas ni actores conocidos, al menos fuera de su Méjico natal. Es un filme para ser distribuido en la ávida plataforma Netflix, aunque, obviamente, como el caso de El Irlandés (2019), se ha pactado un estreno puntual en salas comerciales, para poder optar, como hizo, a los premios de la Academia. Cuarón introdujo la especifica e innegociable condición de que en Méjico se distribuiría en salas cinematográficas hasta el último rincón del país, donde el filme se ha convertido ya en un icono de su cultura popular. Toda esta operación se orquesta al servicio de la loable idea de recrear los años de la propia infancia del realizador azteca, acaparando labores de dirección, guionista, cinematographer (la luz de sus películas es esencial y en ese sentido la colaboración previa de Emmanuel Lubezki, ha sido crucial) y coproductor, asumiendo así una porción del riesgo de la empresa.
     Mucho ha aprendido Cuarón sobre llevar el timón de esa travesía que es el rodaje de un filme desde sus anteriores producciones mejicanas, su ópera prima Sólo con tu Pareja (1991), así como Y tu mamá también (2000). Y muchas ganas tenía el realizador de contar una historia como la que él mismo vivió siendo un niño a principios de los años 70 del siglo XX en el barrio, o colonia, La Roma. El detallismo es tal, que, en un momento determinado, incluso, podemos observar que la casa de la familia protagonista está en la Calle Tepeji, número 21, en Ciudad de Méjico. Una historia que contempla la vida pasar, y captura un pedazo en la existencia de unos personajes. En este sentido Roma es un filme que debe mucho a la concepción de filmes como Los olvidados (1950), otro poderoso retrato de Ciudad de Méjico, esta vez el inmediatamente posterior a la segunda guerra mundial, o Cuentos de Tokio (1953), uno de los grandes filmes sobre la vejez que se han hecho jamás. Filmes muy diferentes, sin duda, pero muy contenidos en su carga dramática y que constituyen grandes documentos sociales.
     Roma es un filme de planos largos, de cámara estática en su mayoría, o simplemente de suaves y elegantes panorámicas, con mucha riqueza artística en el contino de cada encuadre, por otro lado, muy pictóricos, filmando diferentes realidades contenidas en el mismo plano. Ocurren muchísimas cosas dentro del mismo encuadre, y en su interacción con lo que trascurre inmediatamente fuera de él. Secuencias como la del parto de Cleo (Yalitza Aparicio), el ama de llaves mixteca de la familia protagonista, con ella en primer plano y su bebé al fondo, sin que ella le quite ojo, así lo atestiguan. En ese sentido resulta memorable la secuencia que transcurre en el cine continental, con el filme La Gran Juerga (1966) al fondo de la majestuosa sala, el público ocupando el palco de butacas, y en un primer plano, de espaldas a la cámara y perfil, Cleo y su novio Fermín (José Antonio Guerrero Martínez) se besan, hasta que ella le hace la confidencia de que probablemente esté embarazada, confesión que motiva que el hombre, con la excusa de ir a orinar desaparezca de la vida de la joven. La historia comienza con un picado sobre las baldosas del zaguán de la vivienda de la familia protagonista, asistiendo a su rutinaria limpieza por parte de Cleo, donde se refleja la azotea y el cielo. En esa labor de limpieza, los cubos de agua que se vierten sobre las baldosas adelantan sin duda las aguas bravas del océano que veremos a medida que la historia avance. Formando cierta simetría con el comienzo, el plano final del filme es un contrapicado, donde la cámara, emplazada desde los mencionados azulejos, enfoca hacia las escaleras que conducen a la azotea, y al cielo, que al comienzo se reflejaba en el agua sobre el suelo. Por esas escaleras donde el plano es estático y escuchamos el cuidadísimo sonido natural de la vida que transcurre plácidamente, Cleo ha subido con las ropas de los cuatro niños de la familia a la que asiste, después de venir de la zona de playa en Tuxpán, Veracruz, en el golfo de Méjico, en el catártico último segmento del filme. 
     Entre esos dos planos, el inicial y el final, el filme recrea la vida cotidiana de sus personajes, con sus asperezas, implacable, sin concesiones, con sus buenos y entrañables momentos, con sus risas, enfados, gritos, dolor, solemnidades, entusiasmos, iras… y con dos mujeres, Cleo y la Señora Sofía (Marina de Tavira) sobreponiéndose a sus abandonos y decepciones masculinas, pasando de ser “Chingadas” a ser “Chingonas” en la propia terminología mejicana. La ropa tendida en las azoteas, los juegos de los cuatro niños Pepe, Sofi, Paco y Toño, la pasión por los vehículos grandes como el Galaxy familiar, que pierde todo su sentido cuando el patriarca desaparece, el bullicio de ciertas zonas de la ciudad, la venta de productos infantiles, las manifestaciones estudiantiles, etc. Imágenes éstas, en la ciudad, en el campo, en la playa, que componen un hermoso crisol de nostalgia muy sobrio y contenido. El octavo filme de Alfonso Cuarón es un tapiz costumbrista, maravillosamente iluminado, con una pista de audio absolutamente deliciosa, que capta como nunca el auténtico sonido de una época, de una forma de vida, de unas existencias, cuya narración juega maravillosamente con el fuera del plano. Alfonso Cuarón se ha dado el placer más grande que puede darse un artista: recrear su propio imaginario, su propia nostalgia, con todo lujo de detalles.
     Hay por otra parte, algunos guiños muy interesantes a otros filmes de su autor. Cuando los niños acuden a ver el filme Atrapados en el espacio (1969), se puede descubrir o reafirmarse en que fue uno de los precedentes de su aventura espacial Gravity. La secuencia de la manifestación estudiantil, reprimida por esos jóvenes entrenados por el propio Gobierno represivo del país, que asesinan impunemente a los reivindicativos estudiantes, observada por Cleo y la abuela, la Señora Teresa (Verónica García) desde la tienda de muebles, donde aquélla se reencuentra con quien la dejó embarazada, Fermín, convertido en un asesino represor con pistola, de alguna manera recuerda a las secuencias de masas en ese mundo desolador, de revueltas e incidentes sociales, que nos presenta la mencionada Hijos de los hombres. Todo el segmento final recuerda y mucho al núcleo costero del filme mejicano en coproducción con España, Y tu mamá también. Las fantasías y ficciones de los niños en sus juegos y conversaciones, puede rastrearse un filme que haría las delicias de los jóvenes protagonistas: Harry Potter y el Prisionero de Azcabán. Finalmente, en los (comprensiblemente) agriados caracteres familiares de Mamá Sofía y de la Señora Teresa, pueden rastrearse pequeños retazos en la Dickensiana Grandes Esperanzas (1997).
     Los créditos finales rebelan un plantel de agradecimientos absolutamente apabullante, y que incluye a su hijo Jonás Cuarón (con quien filmó el interesante filme Desierto -2015-), el actor Gael García Bernal (coprotagonista de sus segundo filme arriba mencionado), los realizadores Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu (mejicanos como él), Rodrigo García (hijo del escritor Gabriel García Márquez), o el cineasta Polaco Pawel Pawalovski (todo un experto en la iluminación el blanco y negro como atestiguan sus filmes Ida o Cold War). Los mencionados agradecimientos incluyen al director de fotografía Emmanuel Lubezki, por razones obvias, pero también a Chris Menges y Darius Khondji, auténticos maestros de la luz.
    Al concluir el metraje, nos quedamos con una maravillosa reconstrucción de una época, que, gracias al filme, ha quedado retratada e inmortalizada para siempre, demostrando la admirable capacidad del cine para preservar la historia de la humanidad.•
 
Manuel García de Mesa     
JOKER (2019)
JOKER  (2019, Hildur Gudnadóttir) 
                                      
WaterTower Music B07YJ8T8RZ, 2019.
Duración: 36: 26. 

Tras la sorpresa causada por la obtención del León de Oro del Festival de Venecia de este año, 2019, la película de Todd Phillips ha llegado a las pantallas para que el espectador pueda por fin comprobar cómo un film adscrito, en principio, a un género tan codificado como el de los superhéroes (cabe recordar que el Joker es popularmente conocido como el máximo rival y supervillano de Batman), ha podido alzarse con el máximo galardón de un Festival que junto a los de Cannes, Berlín y San Sebastián, conforman el póker de ases del reconocimiento artístico mundial, por lo que aun sin despreciar proyectos de carácter comercial, habitualmente se inclinan sobre todo por valorar cintas provistas de un fuerte marchamo autoral. De manera que el premio, tras la relativa sorpresa causada el año pasado con la nominación al Oscar® a la mejor película de Black Panther (Hollywood ya es otra cosa), podía despertar cierto escepticismo a la hora de constatar el merecimiento del mismo, así como su inclusión dentro del amplio despliegue de una campaña de marketing que ha servido, como a otras tantas películas del género, para la mayor difusión y propaganda del producto, llegando, por momentos, a poner en cuestión la credibilidad de un Festival con tanta solera como el italiano. Si, además, Phillips, al frente del proyecto en todos sus niveles, ya que no se limita a dirigirlo sino que también ha participado en el guión junto a Scott Silver, toda vez que ha hecho las veces de productor (con el concurso de algunos ilustres conocidos de Hollywood como el mismo Bradley Cooper), es el responsable de la trilogía Resacón en Las Vegas (2009/2011/2013), de la adaptación de Starsky & Hutch (2003), o de la comedia Salidos de cuentas (2010), la polémica está servida, porque sin ser La compositora y celista Hildur Gudnadottir.películas en absoluto despreciables, el currículo que conforman está lejos de la idea autoral que prima en los Festivales europeos indicados.
Y ahí es donde entran los medios artísticos, de los que el cine es, sin duda, una de sus expresiones punteras, y su manifiesta capacidad de sorprender al respetable. Vista la película, y reconocida la influencia de alguna que otra que ha ayudado a forjar la historia del cine, como Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese, clara, principal y reconocida inspiración del presente film (aunque no la única, que por ahí anda también Network, un mundo implacable (1976), del gran Sidney Lumet, como así lo manifiesta el propio Phillips cuando hace tres años se puso a escribir el guión de su película con Silver, no cabe más que admirar la ecuanimidad, sabiduría y valor (que de todo habrá debido disponer) del jurado al premiar esta joya en bruto que ha resultado ser este Joker (2019). Convertida desde ya en una auténtica e implacable radiografía de los tiempos que corren, bajo la excusa de explicar el origen de uno de los supervillanos más conocidos del mundo de los cómics superheroicos, la película se convierte en el perfecto retrato de un nihilista víctima de la violencia, de un narcisista maltratado desde su infancia, al que los recortes sociales (se queda sin asistenta social y sin medicación), el acoso escolar, el maltrato infantil, una vivienda indigna y el trabajo precario, han convertido en un monstruo, aliñado por nefastos y morbosos medios de comunicación (en especial, los programas de telebasura como el que conduce Murray Franklin (Robert de Niro), y por políticos de escasa empatía (como Thomas Wayne —Brett Cullen—, padre de Bruce, futuro Señor de la Noche, que en desafortunada expresión tilda de “payasos” a parte de sus conciudadanos en los noticiarios de televisión). Con este caldo de cultivo, no es de extrañar que Arthur Fleck, que arrastra un trastorno neurológico desde la infancia debido al cual estalla en carcajadas durante las situaciones más comprometidas, vaya poco a poco desplazándose, con la ayuda de Penny (magnífica también Frances Conroy), una madre neurótica que siempre ha mantenido que su hijo es el fruto ilegítimo de su relación con Thomas Wayne, en cuya mansión estuvo sirviendo cuando era joven, hacia el más extremo nihilismo, fruto del cual aflorará la personalidad del archicriminal que en un futuro atacará una y otra vez a sus conciudadanos con fines criminales.
    Desde esta perspectiva tan poco ortodoxa, Phillips urde una película anticomercial, una pieza de cámara con un presupuesto más que ajustado y protagonizada por un omnipresente Joaquin Phoenix, en donde no ha lugar a grandilocuentes efectos especiales, tan al uso hoy en día, interesándose antes por mostrar una Gotham transmutada más que nunca en New York, ubicando el contexto a principios de los años ochenta y en mitad de una huelga de los empleados de la recogida de la basura, con lo que ello implica de fealdad visual y propagación de plagas (hay ratas por todos lados). En esta línea, mucho antes de comenzar la filmación, Phillips entendió que un proyecto de estas características debía disponer de una composición musical diferente a las habituales del género, por lo que pronto se fijó en la chelista islandesa Hildur Gudnadóttir (n. 1982), colaboradora habitual del malogrado compositor (también islandés) Jóhann Jóhannsson, al que sustituyó al frente de la partitura de Sicario: El día del Soldado (2018), y al que homenajea recuperando el fragmento “Rooftop” perteneciente a la partitura de María Magdalena (2018), en la que ambos participaron, y que este año ya ha sido premiada con un Emmy por su trabajo en la miniserie Chernobyl (2019), ofreciéndole el guión para que fuera trabajando en la partitura a fin de tenerla lista para el rodaje y emplearla durante el mismo, como temp-track original y definitivo. Así lo hizo la compositora, que provista de su chelo y tras leer sobre la secuencia del baile en la bañera de Arthur, inmediatamente obtuvo la inspiración para su tema a través de su instrumento, convirtiendo su sonido en la voz correspondiente a la citada personalidad nihilista y narcisista, no exenta de dolor, del protagonista.
    Escuchada por primera vez en la oficina de su jefe Hoyt (Josh Pais), y después de recibir una paliza de parte de una pandilla callejera (“Hoyt’s office” y “Defeated clown”, en esta segunda, en acertada combinación con los timbales), la melodía se hará omnipresente en la cuerda del instrumento, dando voz a la creciente paranoia que se va apoderando de Arthur, quien se dedicará a seguir a su vecina Sophie, madre soltera (“Followin Sophie”), por la que se siente atraído, mientras va y viene del hospital en que ha quedado ingresada su propia madre (“Penny in the hospital”), carente de la atención necesaria. A ella dedica Gudnadottir (“Young Penny”) un tema de características etéreas, revelador del trastorno imaginario en el que también ella se instaló mientras sufría, al igual que Arthur, los maltratos de sus esporádicas parejas después de ser obligada a abandonar la mansión Wayne. Hacia allí se dirige Arthur, para tratar de averiguar la verdad sobre su verdadero origen, encontrándose con Bruce (Dante Pereira-Olson), el hijo del magnate casualmente distraído (y abstraído) en el jardín de la mansión. El diálogo entre ambos a través de la verja del opulento edificio no puede ser más ilustrativo sobre las diferencias de clase que separan a uno y a otro (“Meeting Bruce Wayne”), aunque los dos, en definitiva, acaben por convertirse en trágicas consecuencias de la violenta sociedad en la que viven.
   La música se torna desasosegadora conforme en Arthur se acelera su estado neurótico (“Hidding in the fridge”), así como más lúgubre y melancólica cuando constata el poco aprecio de sus compañeros por su trabajo de payaso (“A bad comedian”), hasta el punto de estallar (mentalmente) recurriendo al auxilio de su vecina (“Arthur comes to Sophie”), con la que cree haber mantenido una relación que tan solo ha existido en su cabeza. Finalmente, un enérgico Arthur resuelve actuar en consecuencia con las mentiras a las que ha estado expuesto toda su vida, culpabilizando a su madre (“Penny taken to the hospital”), hasta que una noche en el metro, se encuentra con tres acosadores (de clase alta) que regresan de su parranda nocturna y que se encaran con Arthur, quien harto de ser considerado como un despojo humano, finalmente estalla y dispara contra los tres individuos (“Subway”), tras lo cual, y después de superar el estupor en el que él mismo queda sumergido, se regodea en la intimidad en la ya citada secuencia del baño (“Bathroom dance”), recreándose en el protagonismo que ha adquirido y percatándose de lo mucho que le gusta ser el objeto de atención. La música adquiere una expresión entre dolorida y surreal, ofreciendo mediante un crescendo contenido una clara idea de lo que está ocurriendo en la mente de Arthur, quien a partir de ese momento no tendrá otra preocupación que la de acudir al programa de Murray para hacer pública su condición de asesino (“Confession”). Tras sembrar el caos, por fin el Joker, adorado por las masas de nihilistas a las que ha logrado inspirar, puede expresar su narcisismo impúdicamente (“Call me Joker”) en un acto de exhibicionismo que traza algunos paralelismos con el que pudiera ofrecer un líder revolucionario, solo que en este caso (que nadie se engañe) los congregados son una mera colección de individuos reunidos por la última moda/tendencia urbana, a los que no mueve idea ideológica alguna, ni mucho menos solidaria, siendo tan hijos de la violencia como el propio Joker.
   Para redondear esta soberbia obra musical concebida por Gudnadottir, a la altura de la magnífica interpretación de un Joaquin Phoenix que pasará a la historia del cine, como la película, Phillips echa mano de un ramillete de canciones excepcionalmente bien seleccionadas entre las que destacan “Smile”, del gran Charles Chaplin, en la versión interpretada por Jimmy Durante; el “That’s life” cantado por Frank Sinatra; pero sobre todo, el “Rock n’ Roll (part 2)”, de Gary Glitter, en la magnífica y surrealista secuencia en la que Arthur, disfrazado de Joker, se dispone a ir al programa de Murray, descendiendo por una enorme escalinata sobre la que literalmente baila la canción de Glitter, y en la que su figura vestida principalmente de rojo destaca poéticamente de entre la mugre que le circunda y de la que Arthur es hijo natural, mientras los dos detectives de la policía que lo buscan como sospechoso lo contemplan atónitos desde lo alto de la misma. Tan atónitos como los espectadores al final del visionado (y escucha) de esta obra maestra, tan delicada como una patada en el estómago propinada por debajo de la mesa.•

Frederic Torres      
STAR WARS: LOS ARCHIVOS (EPISODIOS I - III: 1999-2005) (ESPECIAL GEORGE LUCAS)
Editorial: Taschen.
Editor: Paul Duncan. 
Fecha de publicación: marzo de 2021.
604 pp. 42,0 cm x 30,5 cm. Tapa dura. Incluye
miles de ilustraciones en color
y blanco y negro. 

En la convención de Star Wars celebrada en 1987, coincidiendo con el décimo aniversario del estreno de la pieza fundacional, a requerimiento de algunos fans asistentes al evento George Lucas se mostró impreciso en relación a la posibilidad de dar forma a las dos nuevas trilogías que había imaginado tras el impresionante éxito cosechado con la primera. Presumiblemente, en su fuero interno abrigaba la opción de materializarlas siempre que los avances tecnológicos lo permitieran. Ya superado el ecuador de la década de los ochenta no parecía, pues, que semejante escenario estuviera a punto de darse. Así pues, a la espera de acontecimientos relevantes en el ámbito de la tecnología digital, Lucas se encomendó a la producción de películas para un público adulto dirigidas por colegas de profesión, otras de corte infantil —a juego con la mediana de edad que acudía mayoritariamente a las salas de cine— y a la confección de la serie televisión “Las aventuras del joven Indiana Jones” (1987.1989). El producto en cuestión no despertó una atención desmesurada, pero entre los aspectos positivos a rescatar de aquel proyecto George Lucas, sin lugar a dudas, destacaría el hecho de haber sido el punto de partida de su colaboración con el productor de origen germano Rick McCallum. Ciertamente, el entente entre ambos durante el proceso creativo de “Las aventuras del joven Indiana Jones” dio pie a que Lucas escogiera a McCallum como socio principal para la puesta en funcionamiento de la segunda trilogía —la primera si nos ceñimos a la cronología de la narración--, pero sin marcar un calendario concreto sobre cuál podría ser la fecha para la puesta de largo de un eventual Episodio I. Con el cambio de decenio Lucas empezó a tomar conciencia que la técnica digital avanzaba lo suficiente para que en un horizonte de unos años el Episodio I —titulado originalmente «The Begining» («El principio») y posteriormente rebautizado La amenaza fantasma (1999)— cobrara visos de realidad en la gran pantalla. En este sentido, el punto de inflexión llegó al contemplar Parque Jurásico (1993), en la que el propio Lucas se puso a disposición de su amigo Steven Spielberg para integrarse a los equipos de los efectos digitales y de sonido. Un par de años después de aquel hito de la Historia del cine Lucas se consagró a la escritura de un primer borrador de guión de “The Begining” sobre la base de conceptos, ideas y escrituras varias que había ido acumulando a lo largo de los años con la intención que algún día cristalizara en forma de un libreto solvente y sólido presto para ser filmado. Para el titánico trabajo que se le venía encima Lucas requería de los alicientes suficientes —más allá de los puramente crematísticos: él ya era millonario— a nivel de avances tecnológicos para aceptar el reto de sumergirse nuevamente en el «universo Star Wars» por un periodo si acaso más largo, un total de diez años comprendidos entre 1995 y 2005.
 
La obra de un demiurgo
 
    La presente edición  Star Wars: Los archivos Episodios I-III (1999-2005), guiada por la excelencia como es costumbre en el sello Taschen, sirve de termómetro para medir la descomunal carga de trabajo asumida por Lucas durante un decenio, convertido en un «cineasta-demiurgo» al servicio de la primera trilogía de la saga galáctica por excelencia. A diferencia de la trilogía comprendida, a efectos de ejecución, entre 1973 y 1983, Lucas asumió la dirección de los tres largometrajes no tanto para favorecer a su ego sino por la actitud mostrada por algunos de sus colegas y amigos de renunciar a la silla del directed by para los episodios II —El ataque de los clones (2002), rodada íntegramente con cámaras digitales— y III —La venganza de los Sith (2005). Al respecto, la conclusión más certera indicaba que nadie mejor que Lucas para enfrentarse a la filmación de tres largometrajes interconectados entre sí, en que podemos observar a Anakin Skywalker en tres etapas distintas de su vida, siendo Jake Lloyd el escogido para la primera entrega (de entre los más de tres mil entrevistados por el director de casting Robin Guiland) y Hayden Christensen (a Lucas le convenció su impostura «a lo James Dean») para las dos siguientes. Siguiendo idéntico patrón que el volumen anterior consagrado a los episodios IV, V y VI, Star Wars: Los archivos Episodios I-III (1999-2005) ofrece un despliegue visual espectacular —bocetos de personajes, storyboards, fotografías de rodaje, fotogramas de las películas, etc— acompañado de un relato cronológico de lo acontecido en cada uno de los tres largometrajes, siendo George Lucas quien responde a toda clase de preguntas expresadas por Paul Duncan. Tras George Lucas, la aportación más valiosa —en todos los sentidos— es la de Rick McCallum, quien ofrece una síntesis del tipo de cineasta que, según su propia experiencia, mejor se ajusta al primero: «Algunos directores planifican las películas con exactitud, con guiones gráficos detallados y una visión muy clara de lo que van a filmar. George no hace eso, la idea que tiene en la cabeza cambia, la trabaja y la hace evolucionar. Necesita pasar por ese proceso y grabar de una forma ágil y barata que le dé más tiempo. De este modo, la película cambia y crece en su mente» (pág. 291). McCallum ofrece, pues, un modus operandi de Lucas situado a las antípodas, por ejemplo, de Alfred Hitchcock, quien trabajó en los estudios Elstree, los mismos que sirvieron de «casa madre» para la elaboración de las tres trilogías realizadas hasta la fecha de la saga galáctica. De la última de estas tres —los correspondientes a los episodios VII, VIII y IX— Taschen se ocupará en un futuro más o menos cercano para adecuar un tercer volumen con toda seguridad con los mismos estándares de exigencia y calidad que los que han visto la luz en 2019 y 2021, respectivamente. No me cabe duda que en un horizonte de un par de años el aficionado a Star Wars podrá tener a su disposición tres volúmenes catalogados de obras maestras de la edición. A partir de 2022 ó 2023 sería de “obligado cumplimiento” que al hacer una cronología de los acontecimientos relativos a Star Wars se citara la publicación de sendos volúmenes servidos por la «factoría Taschen», auténticas «Biblias» para los fans de una saga que empezó a barruntar George Lucas hace medio siglo, teniendo por delante una empresa bigger thant life.•
Christian Aguilera      
TRILOGÍA «LOS VISITANTES»

Las aventuras por el tiempo del caballero Godofredo y su fiel escudero Delcojón han dado como resultado tres comedias divertidísimas y gamberras dirigidas por Jean-Marie Poiré y protagonizadas por Christian Clavier y Jean Reno. Este pack editado por el sello A Contracorriente en formato DVD y Bluray reúne por primera vez las tres películas de la trilogía: Los visitantes ¡no nacieron ayer! (1993), Los visitantes regresan por el túnel del tiempo (1998) y Los visitantes la lían ¡en la Revolución francesa! (2016). Esta último se estrenó comercialmente en nuestro país en verano de 2016 con poco aparato publicitario y, por consiguiente, representa una buena oportunidad para recuperarla.

 

 
Por Ignasi Juliachs
  
 

LOS VISITANTES (¡NO NACIERON AYER!)

       
 
Características en BD y DVD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas / Tráiler / Tomas falsas. Resolución: 1.080 p. Formato: 16:9, 2:35:1.  Idiomas:  Francés. Subtítulos: Castellano.  Duración: 107 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 20 de septiembre de 2016.
SINOPSIS: Año de gracia de 1.123. El valiente caballero Godofredo y su fiel escudero Delcojón son transportados por embrujo a una época demente: ¡la nuestra! La cruzada que tendrán que emprender tan insignes visitantes por regresar a su tiempo no será precisamente sencilla, pues para ello tendrán que enfrentarse con la peor Némesis que jamás hubieran imaginado, sus propios descendientes.
COMENTARIO: Con Los visitantes no nacieron ayer,en el ya lejano 1992, el cine francés conoció un atronador éxito con una propuesta que curiosamente tampoco cabía considerarla novedosa. Si ir más lejos, Navigator, una odisea en el tiempo (1988), de Vincent Ward, aunque en un tono nada cómico, ya situaba a unos hombres medievales en pleno siglo XX. Sea como sea, casi 14 millones de entradas vendidas sólo en Francia (claro que era otra época), y que aún hoy se mantenga como la quinta en el ranking de los filmes franceses más taquilleros de todos los tiempos, tras Bienvenidos al norte (2008), Intocable (2011), La gran juerga (2009), y Astérix y Obélix: Misión Cleopatra (2002), hablan por sí solos de lo que significa la cinta de Jean-Marie Poiré para los franceses.
Al parecer, el origen del film está en una idea que ya concibió un adolescente Poiré cuando todavía cursaba el bachillerato, por lo que, pese a estar coescrito junto a su estrecho colega y protagonista de muchos de sus filmes, Christian Clavier (diestro en el burlesque y el slapstick), este film es el resultado de una vieja pretensión, tras ya haberse hecho un nombre en el mundo de la comedia franchouillarde que ironiza en torno al francés medio, y también de la de tintes paródicos, como ya había hecho en otras cintas: Le Père Noël est une ordure, Twist Again à Moscou, o Papy’ en la resistencia, y la más reciente Operación chuleta de ternera, además de la posterior Ángeles guardianes.
   Efectivamente, esta historia en torno a un caballero medieval, Godofredo de Miramonte, y su escudero Delcojón el Bribón sigue, en su intento por deshacer el entuerto generado por una bruja por medio de un viaje en el tiempo que les vuelva a situar antes del desastre, parámetros cómicos conocidos pero que por algún motivo devinieron en su combinación suficientemente atractivos como para hallar resonancia máxima en el gran público. Cabe suponer que, principalmente, ello radica en las estrafalarias situaciones que se derivan del buen dibujo de toscas mentes medievales en un contexto de finales del siglo XX que no pueden entender y a donde han ido a parar por error del sortilegio que debía situarlos momentos antes del dramático suceso con miras a evitarlo, y que en lugar de ello se ven catapultados hacia el futuro.
   A ello se suma el encuentro con supuestos descendientes (encarnados por los mismos actores) del siglo XX donde se hallan, y el cruce con gendarmes que entienden tan poco lo que pasa como los demás, todo lo cual genera toda suerte de embrollos y confusión.
   Pese a que desde el primer segundo el producto es claramente un divertimento comercial articulado por el MacGuffin del viaje por el tiempo equivocado derivado del sortilegio, la farsa que se deriva responde a una intención crítica para con lo burgués (particularmente en el slapstick de Delcojón peleándose con todo lo moderno –Clavier–, y en su descendiente refinado y afeminado, Delculón, que resulta ser el propietario de un hotel en un chateaux del XVI que se escandaliza por tener que contactar con su antepasado pestilente y de modales porcinos), así como para con las convenciones, los valores actuales (vistos como absurdos en alguna medida) y, desde luego, para con la estratificación social. Esto último queda reflejado particularmente con Madame Ginette (Marie-Anne Chazel), una vagabunda, sobreviviente nata, cuya relación con un Delcojón reacio a abandonar los placeres del siglo XX (cosa que vivamente desea su amo para reunirse con su amada), da lugar a toda suerte de mofas acerca de lo injusto de los desheredados, objeto de atropellos al “no ser nadie”.
   La actriz Valérie Lemercier, que encarna a Frenogonda, la amada de Godofredo, y a Beatriz de Miramonte, la descendiente del siglo XX casada con un dentista que aquél confunde en una primera instancia con su amada, se hizo con un César a la mejor actriz secundaria, único de los ocho para los que el film fue nominado. Y puede que sea tan cuestionable que constara como actriz secundaria, dada la envergadura de su acertado trabajo en el film, como lamentable que por una discusión con el director acabara por no aparecer en la secuela que se realizó mucho más tarde, en 1998: Los visitantes regresan por el túnel del tiempo. Debe notarse que tanto Lemercier como el siempre convincente Jean Reno empezaban a ser actores frecuentes para el equipo Poiré-Clavier. Ambos habían ya participado en Operación chuleta de ternera. Luego, el segundo ha aparecido en todas y cada una de las secuelas del film original.  
   Por lo demás, el primer film goza de una frescura y de un equilibrio en los gags que difícilmente podría esperarse de las dos secuelas (la segunda mencionada y la todavía más tardía tercera, la reciente Los visitantes la lían), sin contar el desastre que supuso en 2001 un remake a la americana (Dos colgados en Chicago). La segunda intenta suplir lo no novedoso con cierto atropello de gags y con un ritmo triplicado, y la tercera, que recupera en alguna medida el equilibrio de la primera, desde luego no puede considerarse original, aunque el nuevo marco: la Revolución Francesa, de paso a toda otra suerte de gags con su gracia.
   Cabe resaltar que ya la primera cinta tuviera un desenlace abierto (lo que claramente habla de la intención de proseguir con el invento), aunque el tándem Poiré-Clavier tardó lo suyo, tanto más cuanto que el gran éxito hacía lógico animarse a una pronta secuela.•
 


LOS VISITANTES (REGRESAN POR EL TÚNEL DEL TIEMPO)
       
 
Características en BD y DVD: Contenidos: Menús interactivos / Acceso directo a escenas / Tráiler / Escenas eliminadas. Resolución: 1.080 p. Formato: 16:9, 2:35:1.  Idiomas:  Francés. Subtítulos: Castellano.  Duración: 117 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 20 de septiembre de 2016.
SINOPSIS: Godofredo de Miramonte regresa a la Edad Media para casarse con la dulce Frenegunda. Sin embargo, se produce un lamentable error: en lugar de acompañarlo su fiel escudero Delcojón el Bribón, se transporta con él el descendiente del mismo, Jacques-Henri Delculón. El túnel del tiempo no se a cerrado del todo y Delcojón se ha quedado en el siglo XX. El futuro suegro de Godofredo, el Duque, está desconsolado. Alguien ha robado las joyas de la familia y una reliquia sagrada que garantiza la fecundidad de sus mujeres, por lo que Godofredo decide volver al futuro para recuperarlos en una nueva hazaña.
COMENTARIO: Mencionar Los visitantes no nacieron ayer es referirse a una de las cinco películas galas más taquilleras de todos los tiempos, junto a la célebre La gran juerga,y la que se mantuvo como la primera de la taquilla franca en el lejano año de su estreno: 1993. Costó el equivalente de unos siete millones de euros y sólo en Francia la vieron en sala casi catorce millones de espectadores. Su director, Jean-Marie Poiré, goza de cierto reconocimiento en su país como realizador experimentado en un tipo de comedia y farsa populares, la llamada comedie franchouillarde centrada en los defectos del francés medio. En el estado español, a parte de la serie de filmes sobre Los visitantes, puede que se le conozca por Operación chuleta de ternera, o Ángeles guardianes, pero sin duda son las andanzas del Conde Godofredo de Miramonte el Temerario, y de su escudero Delcojón el Bribón, una especie de Quijote y Sancho Panza à la française, las más reconocidas por el amplio público. Así pues, y dado el final abierto de la primera entrega, aunque se hizo esperar unos años, en 1998 se estrenaba una segunda parte, Los visitantes regresan por el túnel del tiempo, lo que puede considerarse estaba cantado. No obstante, el tándem Poiré-Christian Clavier (Delcojón), ya tenían una trayectoria previa juntos como coguionistas de filmes dirigidos por el primero e interpretados por el segundo, como Le Père Noël est une ordure, Twist Again à Moscou, o ‘Papy’ en la resistencia, y entre los dos filmes de la serie aún se dedicaron a otros proyectos: en Ángeles guardianes (1995), aparte de coescrita por ambos, hallamos a Gerard Depardieu, coprotagonista junto a Clavier. El tándem, quizá en su mejor momento, siguió con sus delirios cómicos al adaptar para el teatro Out of Order, de Ray Cooney, bajo el título de Panique au Plazza. Fue luego de este atronador éxito en los proscenios, asimismo con su versión televisiva en 1996, que pasaron a concentrarse en la segunda entrega de Los visitantes. Jean Reno (Godofredo) ya había colaborado con el tándem antes de la primera entrega de la serie, en Operación chuleta de ternera (1991). Tras estos filmes, volvería a trabajar con ellos en una coproducción francoamericana, el remake hollywoodiense de Los visitantes: Dos colgados en Chicago (2001), y este mismo año 2016, en una tercera entrega de la misma serie, dieciocho años desde el film que nos ocupa: Los visitantes la lían (en la Revolución Francesa).
   Ciertamente, Jean Reno y Christian Clavier son la gran baza de toda la serie de filmes sobre estos dos esperpénticos personajes que efectúan saltos en el tiempo, desde su siglo XII a las postrimerías del XX. Naturalmente, en la primera entrega todo era novedad: los personajes, esos ridículos tránsitos de una época a la otra, el esperado y lógico desencaje de unos personajes brutalizados en un siglo distinto que funciona de modo incomprensible para ellos, y la relación con los descendientes de sus respectivas ramas familiares, a la que se suma la de la prometida de Godofredo, Beatriz de Miramonte, interpretada en la primera entrega por la excelente Valérie Lemercier. Los mismos actores se desdoblaban en sus descendientes para generar una comedia de enredo popular con infinidad de malentendidos y más enredos, donde Reno y Clavier (particularmente el segundo) daban rienda suelta a una sarta de disparates en su relación con los artefactos y los usos modernos, Delcojón negándose a regresar a su siglo, lo que será motivo de mayores entuertos cuando aparentemente ambos hombres medievales intentaban regresar a su siglo en el desenlace abierto de la primera entrega.
   Aunque el primer título no dejaba de recurrir a la sal gorda, y a un descarado MacGuffin (que también lo hallamos en la segunda entrega en forma de robo de unas joyas en el siglo XII que es preciso recuperar en el siglo XX, excusa perfecta para ir y venir por el tiempo)  para generar tal situación de embrollo y disparate, el resultado puede considerarse simpático y aceptable, pasados los años, con algún problema de timing. En la segunda entrega, quizá quisieron solucionar eso; su acaso excesivo metraje si alguna cosa deja claro de principio a fin es la voluntad de realizar una película tan trepidante que apenas deja tiempo para el respiro. Ello quizá es su mayor proeza (la hilaridad se deriva del impacto precipitado y la acumulación de disparates) y al tiempo su peor defecto: ese cúmulo prolongado de slapstick a la française (donde es dueño y señor Clavier encarnando nada menos que cuatro personajes, aunque los dos principales sean Delcojón y Delculón —el descendiente refinado del primero, propietario de un hotel de alto standing—, al que se suma las mencionadas idas y venidas repetidas por el túnel del tiempo con personajes del siglo XX yendo al siglo XII y viceversa, acaso generen una sensación de hartazgo. Con todo, si nuestro nivel de exigencia desciende, es posible pasar un buen rato con algunos gags acertados, sin más, pese a que hacia el tercio final del film se empieza a tener la sensación de que la cinta se alarga innecesariamente, con su cambio constante de situaciones cómicas que denotan un guión forzado para que suceda lo pretendido, que además se quiere variado.
   Juega en contra también la substitución de Valérie Lemercier (al parecer tuvo una discusión fuerte con Poiré) por Muriel Robin, que hace lo que puede pero que su distinto físico y modo de proceder no hace sino que echemos en falta Lemercier, sobre todo como Frenegonda, la relamida descendiente de Beatriz.
Cabe subrayar el personaje de Madame Ginette, encarnada siempre por Marie-Anne Chazel, una clochard del siglo XX que hace pareja con Delcojón para mayor desaguisado, pero que sirve excelentemente a los fines de la comedia franchouillarde, dinamitadora de todo lo burgeois y de cierta estrechez gala.
   El Grand Marnier tiene la culpa de que el regreso final al siglo XII de cada entrega se tergiverse por los túneles del tiempo, lo que prepara, hace ya dieciocho años, el arranque, en plena Revolución Francesa, de la reciente tercera entrega de que hablábamos antes. Una curiosa maniobra, puesto que sigue resultando muy irónico el hecho de situar a unos personajes medievales, que han conocido no ya la modernidad, sino la postmodernidad de finales del XX, justamente en pleno horno, el crisol donde se forjaría el mundo contemporáneo, en donde necesariamente tampoco van a encajar. 
   En su momento, el film irritó mucho a la prensa por la constante y descarada publicidad de muchos productos, lo que alguna incidencia debía tener en el gran presupuesto del film de unos veinte millones de euros. Pero pese a las malas críticas, la cinta volvió a arrasar en las salas galas, con ocho millones largos de entradas vendidas. Ciertamente menos que en la anterior, pero aún así una cantidad importante.• 
              
 

 

 

LOS VISITANTES LA LÍAN
¡EN LA REVOLUCIÓN FRANCESA! 

Características en BD y DVD: Contenidos: Menús inte
ractivos / Acceso directo a escenas / Tráiler / Escenas eliminadas. Resolución: 1.080 p. Formato: 16:9, 2:35:1.  Idiomas:  Francés. Subtítulos: Castellano.  Duración: 117 mn. Distribuidora: A Contracorriente Films. Fecha de lanzamiento: 15 de enero de 2017.
SINOPSIS: Atascados en los corredores del tiempo, el conde Godofredo “el Audaz” y su cafre escudero Delcojón “el Bribón” llegan a la Revolución Francesa. A un momento en el que los descendientes de Delcojón (ahora apellidados ”DelCojoné”), confiscan el castillo y todos los bienes de los descendientes del conde, aristócratas que huyen de “Madame La Guillotine”.
COMENTARIO: Tras el impacto de la primera cinta, y el buen resultado de la segunda, que aún así tuvo que esperar cinco años para realizarse por compromisos de los principales involucrados al parecer, recrear y revivir en una tercera entrega, veintitrés años después de la primera, aquellas glorias, cabe admitir que en sí mismo era temerario. Y ciertamente los resultados en taquilla fueron malos, puesto que se contaba con un mínimo de 5 millones de entradas vendidas en Francia, de las que tan sólo se lograron cerca de 2 millones. Aunque es cierto que mucho ha cambiado el concepto de exhibición en este lapso de tiempo. No se va tanto al cine, y éste se consume como un elemento audiovisual más, no ya en televisión, sino a través de gran número de plataformas distintas. Además, el film, antes de visionarse, enconó los ánimos de la crítica puesto que no hubo pase de prensa en Francia, factor que para aquéllos siempre suscita la sospecha de que hay algo que ocultar, o que hay mucho temor a los comentarios contraproducentes antes del estreno, dado que la cinta costó unos 25 millones de euros.
Pese a su inactividad como realizador, respecto a la cuestión del presupuesto Jean-Marie Poiré no ha cambiado un ápice: si se involucra en un film, éste ha de realizarse a lo grande. Como que lograr un presupuesto así hoy en día cada vez es más difícil, fue necesaria la participación de muchas más entidades, incluidos sellos checos y belgas. En consecuencia, ha sido finalmente una coproducción francochecobelga. Y ha causado gran disgusto a muchos, acaso afectados de chauvinismo, que la cinta, la cual acontece durante el Terror de la Revolución Francesa (algo muy francés en consecuencia), se haya rodado en Bélgica y Checoslovaquia por entero. A este respecto, a modo de descargo, dado el extremo cuidado en puesta en escena y vestuario de la cinta, podría haber justificación por el uso de los exteriores e interiores urbanos de esos territorios, pues ofrecen verdaderamente la sensación de cruzar el túnel de tiempo.
   A la potencial animadversión hacia el film, antes de su estreno, pudo contribuir por otro lado que algunos grupos se sintieran ofendidos por el hecho de que uno de los actores secundarios, el veterano Pascal N’Zonzi (que ya destacó en otro film exitoso con Christian Clavier: Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?), que encarna a un personaje de raza negra de nombre Philibert, no haya constado en el cartel anuncio.
   Pero acaso lo más sorprendente es que a estas alturas se haya acusado a Poiré y su film de reaccionarios por parte de algunos políticos y críticos principalmente, de dinamitar lo que significa la Revolución Francesa para la humanidad ridiculizando a personajes como Marat, Robespierre, e tutti quanti, o de enfatizar la corruptela de la Convención, la contradicción egoísta de sus dirigentes, y la locura inimaginable que fue el periodo del Terror, del todo alejado del espíritu de ese bien supremo que hablaba de liberté, egalité, fraternité. Cabría esperar más de estos elementos críticos, a tenor del espíritu del momento en que vivimos, que si algo bueno tiene es la actitud de verismo y hasta de búsqueda de la verdad alejados de ideologías deformadoras ni de doctrinas intoxicantes o anestesiantes, aunque desde luego ello no prive de intentos de manipulación acorde con los inevitables intereses como es de sentido común esperar. Si un aspecto positivo tiene el film, es que precisamente trata a los personajes antes como seres humanos imperfectos y contradictorios, por mucho que tengan de iconos, que como dioses infalibles a los que admirar sin matiz alguno. También los aristócratas ofrecen una imagen cómica por ridícula. Y cabría añadir que, aunque la cinta sea de tintes cómicos, alcanza a recrear el momento histórico con una verosimilitud encomiable.     
   Nada más comenzar la cinta, con una energía y trepidación asombrosas, todavía impacta otra cosa: en el desenlace de la segunda entrega, recordaremos que nuevamente por equivocación (en el brebaje que ha de trasladar a la pareja protagonista al siglo XII se ha añadido Grand Marnier) van a parar al contexto de la Revolución Francesa. Sin embargo, un descendiente de Delcojón les toma por espías ingleses, cosa que comunica al General Bonaparte. Si al comenzar la tercera entrega, Godofredo y Delcojón van a ser juzgados y previsiblemente ejecutados por el Comité de Salud Pública regido por Robespierre, quien acaba de decapitar a Dantón, se trata de un momento en que Bonaparte no podía ser General pues apenas empezaba a sonar su nombre en la Historia por su participación en el sitio de Tolón de finales de 1793.
La crítica francesa ha sido abiertamente negativa con la película; ha abundado en consideraciones como que la misma resulta anticuada, aburrida, que no genera la risa buscada, reiterativa en temas escatológicos y en las referencias al mal olor corporal y al aliento fétido de nuestros héroes observado sobre todo por los descendientes aristócratas de Godofredo (que ignoran tal parentesco con el mismo) pero también por los integrantes del Comité, que no dejan de tener modales de refinamiento muy aburguesados, demasiada situación de cámara con diálogos poco brillantes, una interpretación de Jean Reno en piloto automático, y un Clavier salido (cosa que de hecho es inherente a su histrionismo en las tres entregas francesas) que no deja de repetir cansinamente determinadas frases ya célebres en los filmes anteriores (“okay”) o nuevas (“¡Hurra! que es más laico”). 
   Todo ello nos parece un tanto exacerbado, puesto que a nuestro criterio la cinta resulta digna y moderadamente entretenida. El principal problema quizá estriba en algo tan dañino como la comparación (aparte enconamientos circunstanciales, como hemos observado). La primera entrega y aún más la segunda participaban de la comedia de enredo cargada de slapstick, con ridículos viajes en el tiempo a tontas y a locas, cuyos argumentos se sustentaban en McGuffins de lo más triviales, todo para jugar ad nauseam con el contraste entre unas mentalidades medievales y nuestro mundo moderno, en el que se ha invertido el orden social hasta cierto punto en lo referido a señores y servidores –a la estratificación social en suma–, lo que en sí servía al objeto de reírse justamente de nuestro mundo ordenado –léase hipócrita–, un discurso que evidenciaba precisamente ese idilio hilarante entre el Delcojón medieval y la clochard Madame Ginette, de vuelta de todo y superviviente nata, encarnada siempre por Marie-Anne Chazel, precisamente la tercera actriz, junto a Reno y Clavier que queda de los filmes originales; actriz que aquí encarna a Prune, una conserje de un inmueble de París al que ahora volvemos.
   Lo que ocurre es que esta tercera entrega cambia en alguna medida de estilo. El slapstick desaparece en gran medida (también es cierto que los actores no están ya para tanto trote), puesto que nuestros héroes, aunque medievales hasta el tuétano, representa que acaban de experimentar un mundo más avanzado tecnológicamente, y por tanto ya no se sorprenden tanto de los cambios (Delcojón se queja a Charlotte Robespierre, hermana del Incorruptible –espléndidamente encarnada por Sylvie Testud–, de la ausencia de agua corriente), aunque bien es cierto que algunos usos y hábitos del momento siguen generando sorpresa, torpeza y algún momento de gag, particularmente en Delcojón. Hay una introducción trepidante, como decíamos, y unas primeras secuencias extremadamente dinámicas: la huida de nuestra pareja de la prisión en Issoudun, en que esperan a ser decapitados, y su aparición en el próximo Castillo de los Miramonte a punto de que éstos huyan hacia Austria con ayuda de Gonzago de Miramonte, aún en la Convención pero pronto a caer bajo la garra de Robespierre. Sin embargo, la cinta pronto experimenta un cambio importante; Poiré, que no ha renunciado en absoluto a su característico ritmo acelerado, logra éste ya no por una acción desmedida y alocada, como en los dos filmes anteriores, sino por el enredo entre cuatro paredes y unos diálogos rápidos. La cinta pasa a ser un film de cámara que evoluciona primero en la posada donde los Miramonte cenan camino de París, donde vive su pariente Gonzago, y luego en el inmueble en el que tiene piso éste, donde se refugian todos junto con Godofredo y Delcojón. Justamente  en este inmueble se desarrolla una cena en el piso inferior, donde vive Charlotte, casada con un descendiente de Delcojón, Antoine-Claude Delcojoné –Clavier, naturalmente–, activo asimismo en el Comité de Salud Pública. A tal ágape asisten nada menos que Robespierre, Saint-Just, Fouché, George Couthon en cómica silla de ruedas, y Billaud-Varenne, y claro está, Godofredo y Delcojón. En todo momento pesa la sospecha de que ambos son los huidos el día anterior de la prisión en que aguardaban la ejecución, lo que genera no pocos momentos cómicos y tensos, tanto más cuanto ambos se ocultan tras la creencia de Charlotte que Delcojón no es otro que el tío Ignase, pariente de Antoine-Claude, reluctante a tener que compartir mesa con tales indeseables, estando quienes están y anhelante de promoción personal.
Todo el embrollo se fundamenta en un guión más trabajado desde el punto de vista argumental y en el trabajo de personajes, y su timing es perfecto, aunque acaso se deba admitir que quizá no haya mayor brillo en los diálogos, pero en ningún momento resultan tan horribles como la crítica francesa ha convenido en calificar. Los actores están en su sitio, aunque puede que Reno de síntomas de cansancio. Clavier mantiene el tipo, y Marie-Anne Chazel como la conserje del inmueble, amancebada con Philibert, quizá tiene una presencia más testimonial que efectiva como acérrima defensora del Comité. El parecido de Nicolas Vaude como Robespierre es asombroso, y otro tanto para Matheu Spinosi como Saint-Just. Christian Hecq también despunta en su encarnación de Marat, que la anécdota del film también le sitúa como vecino del inmueble de marras.
   En esta tercera entrega, Poiré y Clavier explican, finalmente, cómo cambió de propiedad el Castillo de los Miramonte, que de éstos resultaba ahora en manos de un descendiente de Delcojón, lo que recordaremos resultaba chocante y enigmático en la primera entrega: y no es otra la razón que la actitud corrupta de Antoine-Claude Delcojoné, resentido y envidioso para con los Miramonte, cabe imaginar desde mucho antes de la Revolución. Aprovecha la circunstancia, de espaldas a Robespierre, con todo y ser advertido por su esposa Charlotte que el Castillo debe pertenecer al pueblo.
Hay quizá un aspecto nada bien expuesto a lo largo del metraje. Esto es lo referido a la advertencia que la hija del hechicero de la primera entrega expone al inicio del metraje de la tercera entrega, cuando el rey Luis VI el Gordo se irrita por la ausencia de Godofredo, a quien requiere para una acción militar, ignorante de sus periplos por el tiempo. La hechicera advierte del peligro de envejecer aceleradamente en esos viajes si no se regresa con prontitud. En primera instancia, eso explicaría el envejecimiento que muestran lógicamente los actores en comparación con los filmes precedentes, pero durante su permanencia en el mundo de la Revolución no se les advierte afectación alguna. Sólo en el tramo final, aceleradamente, vemos cambios cómicos en su aspecto, cuando están a punto de saltar ya a lo que creen el regreso definitivo al siglo XII.  
   No avanzaremos nada más. Baste decir que el desenlace vuelve a ser abierto, y que el mismo Poiré no niega la posibilidad de una cuarta entrega. Los malos resultados en taquilla no parecen hacerla muy probable, pero quién sabe, quizá la explotación por distintas plataformas acaban de convencer a antiguos y nuevos inversores.•